Os Filhos De Stanley Kubrick

Mulan - Tony Bancroft e Barry Cook (1998)

2010-08-23T19:22:00.005-03:00

Desonra! É isso que acontece a esse blog! Em pleno mês de agosto de um ano cheio de estréias fantásticas (Hello, Toy Story 3, A origem!) nenhuma resenha com a data de 2010. Desonra.
Para estrear nosso arquivo deste ano, escolhi um filme que fala muito sobre honra, dignidade e autoconhecimento. Mulan, de todos os filmes da Disney, é o que melhor dialóga com essas questões e não ignora suas raízes.
Fa Mulan é uma jovem que não se ajusta bem no mundo que vive (a China de 495 d.C.). Apesar disso, ela ama sua família o suficiente para ir contra seus desejos e fazer o melhor que pode para se tornar "a perfeita esposa e perfeita filha". Mas infelizmente, como na vida real, só vontade não é suficiente e Mulan percebe que não tem vocação para ser uma esposa recatada, pontual e equilibrada e que, provavelmente, não conseguirá elevar ou mesmo manter a honra de sua família. O filme deixa claro que isso é muito importante e que a desonra é pior que a morte.
Quando os hunos invadem a China, o Imperador (na maior representação da sabedoria chinesa) convoca um homem de cada família para defender o país. Quando o pai de Mulan, veterano de guerra, idoso e doente, aceita sua convocação mesmo sabendo que isso significa sua morte, Mulan o confronta e uma das declarações mais dolorosas vem do brado de Fa Zhou que diz para a filha "Eu conheço o meu lugar. Está na hora de você conhecer o seu". Qual é o lugar de Mulan afinal? Quando ela decide que não é em casa esperando uma carta avisando sobre o falecimento do pai, ela parte para a guerra em seu lugar.
É muito bonita a cena da decisão de Mulan. Sentada na chuva ao lado do Grande Dragão de Pedra, como que buscando uma luz e proteção, ela vê que, apesar de resignada, a mãe não concorda com o marido. E é ai que ela toma coragem, corta o cabelo, rouba a armadura do pai e parte para o que poderia ser a morte certa, pois a revelação de seu segredo receberia tal punição.
Além da viagem de Mulan, temos também a de Mushu. O pequeno dragão foi rebaixado do cargo de gurdião e busca reconquistar o respeito dos ancestrais da família Fa (numa cômica reunião de família sobrenatural). Depois de destruir o Grande Dragão de Pedra, ele decide que o único jeito de reparar seus danos seria fazer da empreitada de Mulan um sucesso.
O que vemos a partir daí é a descoberta dos limites pelos personagens e a discussão de suas motivações. Conforme superam seus obstáculos, Mulan e Mushu não percebem que estão indo longe demais em sua farsa e que o segredo a qualquer momento pode ser revelado e que as consequências podem ser piores que a morte.
Apesar de ter ido muito bem na bilheteria, sei de muita gente que não assistiu, então não vou falar mais sobre o final. Vou dizer que Mulan não é muito diferente de todos os filhos e filhas do mundo que simplesmente não conseguem a aprovação dos pais sendo aquilo que são genuinamente. Como a heroína da Disney, esses jovens buscam a revelação de sua verdadeira imagem para que possam, então, encontrar paz e felicidade.
Sendo uma animação da Disney em sua época de boas produções, Mulan é lindamente colorido e fotografado, com detalhes de tirar o fôlego. As músicas potencializam as emoções e manipulam o expectador com maestria e os números musicais realmente servem para contar a história e não só para não perder a chance de colocar uma musiquinha. Eu comparo o número "Imagem" ao "Ser deste mundo" d'A Pequena Sereia (um dos meus favoritos no mundo). As duas cantam seus desejos de fazerem parte de algo diferente, de outro lugar, num momento muito íntimo. A diferença é que enquanto Ariel buscar encontrar seu lugar em um mundo físico, Mulan quer encontrar seu lugar dentro de si mesma, sua verdadeira imagem.

PS: Nem preciso dizer que Mario Jorge, dublador de Mushu, faz mais um trabalho espetacular. Ele é o burrinho do Shrek que, como o dragão, é dublado no original por Eddie Murphy. O contraponto que as gírias e o gingado de Murphy dão à dureza das personagens orientais é muito interessante. Todo o elenco tem momentos cômicos, que casam perfeitamente com as outras emoções que preenchem o filme.

Vestida para casar - Anne Fletcher

2009-12-30T21:06:00.003-02:00

Vestida para casar é um filme para garotas. Mais especificamente, para as garotas que sabem muito bem como é batalhar por alguma coisa e morrer de raiva quando aquela amiga mais bonita a conquista com tanta facilidade. A coisa em questão sempre é um homem e a garota da vez é Katherine Heigl. Vamos começar avisando que não importa o quanto me digam que a atriz é mala e tudo mais, eu adoro ela. Acho linda e loira e perfeita, com toda a sua imperfeição. Ela tem os dentes estranhos e não é magrinha. Ela é o tipo de garota que eu você poderiamos ser, se fossemos loiras e tivéssemos 1,80m de altura. Isso dito, vamos prosseguir com a resenha.

Heigl é Jane, uma madrinha de casamentos veterana. Lá na gringolândia a maid of honor (dama de honra) é a moça que vai ajudar a noiva em todos os preparativos do casamento. Ela vai estar presente na degustação, na prova do vestido, na escolha das flores e da lista de presentes. E Jane é justamente o tipo de pessoa que não sabe dizer não e é extremamente eficiente, por isso já foi madrinha em 27 casamentos. A verdade é que ela é apaixonada por casamentos e desconfio que ela encare essas provações como treinamento para quando for a sua vez.

O temperamento passivo de Jane é posto a prova quando Tess (Malin Akerman), sua irmã bonitona e vinda direto do mundo da moda, chega e conquista logo de cara George (meu adorado Edward Burns), o chefe de Jane e por quem ela é apaixonada há anos. Como não podia deixar de ser, Jane é escolhida madrinha e não consegue recusar. Imaginem o exercício de masoquismo uma vez que ela tem que ouvir do homem que ama o quanto ele está apaixonado por sua irmã, enquanto tem que esconder todas as mentiras que a irmã contou para conseguir conquistar o cara.

Paralelamente há a história de Kevin, o maravilhoso cronista de casamentos que é completamente cético e conhece Jane em um dia que está sendo madrinha em dois casamentos ao mesmo tempo. Apesar de destestar casamentos, ele é o melhor escritor do jornal e vê na história da eterna madrinha uma chance de chegar à primeira página. Mas, como todos sabemos, o que começa como uma matéria vira algo a mais e vocês já sabem o resto. Afinal, Vestida para casar não é uma comédia-romântica surpreendente ou inovadora, ela é simplesmente deliciosa para as garotas (e garotos) que sonham com a cerimônia perfeita na hora de dizer sim e querem sentir a emoção de tudo o que acontece até chegarmos ao altar.

Quatro casamentos e um funeral - Mike Newell

2009-10-10T01:16:00.017-03:00

A coisa sobre o humor britânico é que muita gente não entende e por isso detesta. Meu pai, por exemplo, quando assistiu ao Monty Pyton e o Cálice Sagrado veio brigar comigo por ter o dvd em casa e ter dito que era engraçado, quando ele achou tudo um grande absurdo.
Portanto, quando chegou aos cinemas o filme "Quatro casamentos e um funeral" lá no distante ano de 1994, muita gente não sabia o que esperar. Uma comédia romântica com humor britânico? Então com Andy MacDowell - na época muito famosa por lá, hoje em dia nem tanto - como guia, o público passeou pelos relacionamentos daquele pessoal absurdo e se apaixonou por duas coisas: humor britânico e Hugh Grant.

Como em toda comédia romântica, a preocupação não é construi um roteiro elaborado. Na verdade, isso pode até atrapalhar (como em Abaixo o amor, com Renée Zellweger). O importante são os relacionamentos. E Quatro Casamentos vai falar da dinâmica de um grupo de amigos solteiros, focando principalmente em Charles (Hugh Grant), que em 32 anos deixou um rastro de sangue por onde caminhou sua vida amorosa. Na temporada de casamentos, Charles e seus amigos têm que atender vários deles e é justamente em um casamento que nosso herói conhece a americana Carrie (Andy MacDowell), por quem se sente atraído instantaneamente. Acontece que Charles não é lá muito jeitoso com as mulheres e tem sérios problemas de relacionamento - tanto que ignora uma paixão platônica e muito evidente por parte de sua amiga Fiona (Kristin Scott Thomas) e só ouve reclamações de suas ex-namoradas - mas sua sorte é que essa falta de jeito é extremamente charmosa e o ajuda na conquista da primeira noite com a moça. Então, na manhã seguinte os dois se separam e Carrie volta para os Estados Unidos, dizendo de brincadeira que ao não se casarem talvez estivessem perdendo uma grande oportunidade.
Meses depois se encontram novamente, nas bodas de um casal que se formou no casamento anterior. Para a decepção de Charles, Carrie o apresenta a seu noivo. A noite só piora quando Charles é colocado na mesma mesa que várias ex-namoradas e ele acaba encontrando com a pior de todas, Henrieta (chamada pelos amigos de "cara de pato"), com quem o rompimento foi muito difícil. Depois de uma noite muito constrangedora ele vai embora e acaba encontrando Carrie novamente e eles passam mais uma noite juntos.
Algum tempo depois chega o convite para o casamento de Carrie na Escócia, para onde a trupe dos solteiros segue. E na recepção desse casamento ocorre a morte de alguém muito querido e, como numa onda, vários segredos são revelados e todos têm a oportunidade de refletir sobre suas vidas e que talvez seja a hora de crescer.
Para Charles, crescer significa se casar e é isso o que ele pretende fazer. Mas as coisas não terminam da forma mais óbvia. Na verdade, é o tal do absurdo que torna o filme muito engraçado e inteligente.
A história é contada como no título, com quatro casamentos (cada um com um problema diferente) e um funeral, mostrando a mudança naquele grupo de pessoas a cada um desses eventos. Mas a graça está nos detalhes. Algumas piadas são hilárias e a participação de Rowan Atkinson (o Mr Bean) como um desajeitado padre é inesquecível. Primeiro por que em seu discurso ele, entre outras coisas, insiste em errar o nome da noiva e acaba abençoando os noivos em nome do Pai, do Filho e do "espírito manco". E também porque foi a primeira vez que eu ouvi o Mr Bean falar.
O elenco todo veste muito bem seus papéis, tornando os personagens reais, mesmo que você passe o filme inteiro pensando que nunca agiria da mesma forma e dando graças por não ser com você. Essa é outra coisa sobre as comédias românticas: elas constrangem e dão uma baita vergonha alheia. Mas aqui tudo é muito sutil e orgânico, não ofende a audiência.

Quatro Casamentos e um Funeral é leve e divertido. Adorável, na verdade (os ingleses adoram dizer "lovely"). E não pense que é uma catequização sobre o casamento. É mais sobre como o segredo de um bom relacionamento está em ser a pessoa certa e esperar o momento certo. O resto se arranja naturalmente, só precisa paciência.

PS: Preste atenção ao discurso do funeral. É um dos momentos mais bonitos e tocantes do cinema.

Extraordinariamente ordinário: Especial Casamentos

2009-10-08T01:23:00.002-03:00

Como Deus e alguns leitores e colaboradores deste blog já sabem, este mês de outubro começou com uma trilha sonora muito parecida com a marcha nupcial tocando baixinho no background. Então, com a contagem regressiva para o segundo evento mais importante da vida social deste blog, outubro será o mês dos casamentos aqui no ofedesque. Traremos a vocês alguns dos filmes que nos fazem querer encontrar (ou evitar!) a tampa na nossa panela, um vestido branco e um padre - não necessariamente nessa ordem. Dá uma olhada:

Quatro casamentos e um funeral
Penetras bons de bico
Vestida para casar
O pai da noiva

Muita festa por ai e muito humor também, porque esperamos que um casamento seja um evento feliz e alegre. E com alguma tia chapada dando vexame dançando a macarena.
Estamos cientes de que muitos casamentos importantes ficaram de fora da diminuta lista, mas o tempo é curto e o diabinho ainda deu pra correr. Então, aproveitem as dicas e entrem no ritmo da marcha. Sobe o som!

Kung Fu Panda - Mark Osborn e John Stevenson

2009-07-08T18:10:00.000-03:00

Eu sou o tipo de pessoa que acredita que ver um filme é muito mais do que sentar e assistir. É preciso concentração, comprometimento. É preciso saber que você está investindo algumas horas da sua vida para vivenciar a chamada "magia da sétima arte". Fazer cinema é uma arte, sem dúvidas. Apreciar o cinema é uma arte também.

Esta resenha está sendo escrita pela segunda vez. Não é algo comum, para mim. A primeira era uma crítica a suoerficialidade do filme, que era curto demais e mal dublado. Tinha suas partes divertidas, mas era só isso: um filme divertido. Isso foi lá na época da estréia do filme.

Como não tinha publicado ainda, tive a oportunidade de me retratar: Kung Fu Panda é uma filme divertido e muito bom.

Começa com o panda do título vivendo uma cena de ação hilariamente narrada, com cores saturadas, traço estilizado em 2-d. "Nenhum panda foi tão amado e tão temido", ele diz. Descobrimos que tudo foi um sonho e passamos para a linda animação em 3-d da Dreamwoks. Conhecemos o Po de verdade: gordo, desajeitado, apaixonado por kung fu e ajudante na loja de macarrão do seu pai.
Sua vida muda quando o grande mestre Oogway avisa que vai escolher o Grande Dragão Guerreiro, aquele que deve ser o mais poderoso mestre kung fu de todos. Não é surpresa para nós quando o panda é escolhido, mas todos personagens do desenho ficam inconformados.
E a história é sobre a odisséia do urso para se tornar o Dragão Guerreiro, mas acaba sendo uma linda viagem para o interior dos personagens. A presença de Po faz com que os gurreiros do Palácio de Jade questionem suas vidas. Quem são, como se sentem, o que devem fazer. Tudo muda com a chegada do Panda.
Ele, por sua vez, se conhece muito bem. Jack Black no original e Lucio Mauro Filho na versão dublada fizeram um trabalho fantástico na construção do personagem. Mesmo sabendo de todas as suas limitações, Po se arrisca tentando se tornar uma pessoa completamente diferente, a pessoa que ele sempre sonhou ser, principalmente quando todos acreditam que ele não vai conseguir e não fazem questão nenhuma de esconder.
A grande mensagem do filme é um pouco óbvia, mas ainda sim muito bonita. É sobre saber quem você é e entender o que você precisa fazer para conseguir o que sempre quis. Aceitação é a palavra.
A construção do filme é boa. Embora dure apenas 92 minutos, Kung Fu Panda consegue contar a história de seus personagens sem parecer apressado. É um filme que deve ser visto mais de uma vez, pois várias piadas são muito sutis e passam despercebidas, mas são muito boas.
Um grande momento do filme é a aparição do pai de Po. Coisa de gênio.

Um grande viva para a equipe de dublagem, que contou com um elenco estrelado e competente. No original TODAS as vozes são perfeitas. Na versão dublada achei que Juliana Paes foi uma escolha ruim, de verdade. Ela pode ser uma boa atriz, mas ficou robótica como a Tigreza. Angelina Jolie é ferroz, Juliana não tem emoção. Mas não chegou a estragar. Infelizmente não ouvimos muito dos outros além de Dustin Hoffman e Jack Black. Ah, e Ian Mcshane como Tailung está muito bom mesmo. Acima da média.

E é assim que se faz um filme para crianças. Com uma história bonita contada de forma simples, bonita e engraçada, usando todos os recursos de cor, som e tudo a que se tem direito quando se faz cinema. Tudo isso pra nos fazer perceber que o mundo seria muito melhor se todos fossemos mais parecidos com um certo panda. Em tempos de desenhos infantis feitos especialmente para adultos, é legal encontrar uma coisa que agrada os dois públicos por que não trata de jovens ou velhos, mas sim da essencia do ser humano. Ou dos animais. Você entendeu!

Loucuras em plena madrugada - Michael Nankin & David Wechter

2009-04-02T15:22:00.004-03:00

Existem filmes que estimulam nossa imaginação por toda a nossa infância, existem aqueles que estimulam nossa imaginação por toda nossa adolescência, mas existem uns poucos, infinitamente poucos, que estimulam nossa imaginação a vida toda. Loucuras em plena madrugada é um deles.

Sendo de 1980 e com poucas reprises, não duvido que pouca gente conheça esse filme, o que é uma pena. Não que ele tenha diálogos maravilhosos, que ele tenha uma direção de arte incrível, ou que ele seja repleto de atores famosos, a verdade é bem mais simples, Loucuras em plena madrugada é um filme sobre uma caça ao tesouro para adultos, e uma do tipo que até hoje eu, e diversas outras pessoas, sonhamos em participar.

A História começa com Leon (Alan Solomon) chamando um grupo de pessoas para sua casa. Quando todos chegam,ele explica que foram convidados para participar de um jogo de caça ao tesouro que irá durar uma noite inteira e atravessará a cidade. Depois de muito pensar e cada um com as suas motivações todos os convidados montam uma equipe cada um.

As equipes são representações extremas de clichês de filmes universitários. Temos a equipe amarela que representa os mocinhos e é liderada por Adam Larson (David Naughton), temos a equipe azul que é dos riquinhos mimados liderados por Harold (Stephen Furst), temos a equipe branca, dos nerds, liderada por Wesley (Eddie Deezen), a equipe vermelha das meninas rejeitadas lideradas pela feminista Donna (Maggie Roswell) e a equipe verde, dos atletas patéticos liderados por Lavitas (Brad Wilkin). Percebam que tirando os lideres das equipes amarela, azul e branca o resto é composto por ilustres desconhecidos; mesmo Michael J. Fox estava no seu primeiro filme nessa produção e não era conhecido por ninguém na época.

Sobre o roteiro tenho que admitir que tirando as pistas engraçadas e a arqui-rivalidade da equipe azul contra a equipe amarela (que são as tramas principais) o filme fica com sub-tramas meio sem sentido. A rivalidade das equipes branca, vermelha e verde são meio inúteis, a história do irmão menor de Adam, Scott (Michael J. Fox) até dá um impulso para a trama mas nada demais, a falha no veiculo da equipe azul (apesar de ser uma parte da trama principal) parece meio perdida. De todas a única que é divertida e se salva é a trama dos vizinhos de Leon aparecendo no meio da noite pra reclamar do barulho e ficando animados com toda a caça ao tesouro.

Com vários altos e baixos o filme não é um exemplo de grande inovação. Mas é interessante o suficiente para divertir quem não viu e trazer boas memórias a quem viu.

By Pato

PS: Sempre quis fazer algo assim e um dia eu ainda vou fazer. Qualquer coisa eu posto aqui e aviso. Outra coisa, não tinha o trailer do filme no Youtube então peguei os minutos iniciais onde as pessoas recebem o convite para a caça. Mais 80's impossível!

TRAILER

Watchmen - Zack Snyder

2009-04-01T18:46:00.008-03:00

“O mundo acaba com você”, essa frase de sentido dúbio está na minha cabeça faz muito tempo, mas ganhou mais força depois de assistir Watchmen. Desde já, querio deixar claro que vou tentar ser o mais Spoiler free possível. Mesmo que no caso do Watchmen estamos lidando com o impossível.

“O mundo acaba com você”, analisando um dos sentidos dessa frase percebi que o mundo é apenas a nossa perspectiva, é apenas a visão que temos dele, é apenas aquilo que vemos ao abrir os olhos logo após nascermos até o momento que fechamos os olhos quando morremos. Essa divagação filosófica tem um motivo, Watchmen é uma representação fantástica dessa filosofia.

Nesse ponto, faço questão de deixar claro uma coisa, apesar de não ser essencial que se leia os quadrinhos antes de ver o filme, é muito importante para que se saiba tudo o que acontece ao fundo da narrativa, por isso para que se compreenda melhor as motivações de todos os personagens; portanto pretendo aqui contar o filme como se o leitor nunca tivesse lido as revistas e, sendo assim, precise de maiores explicações.

Quando o filme começa vemos o Comediante (Jeffrey Dean Morgan) sentado na frente à TV e mudando de canais aleatoriamente, uma cena que começa a demonstrar duas coisas: 1) Não estamos no presente (pelo tipo de aparelho e a programação) e 2) as coisas não são como as conhecemos pelas aulas de história. Esse pequeno pedaço já encara um bom desafio, e cumpre com bastante eficiência as necessidades do roteiro em fazer o espectador se localizar na história. Logo após essa cena surge uma cena maravilhosa onde um sujeito misterioso ataca o comediante e o defenestra (o joga pela janela – sempre quis usar essa palavra). Criando um impacto no espectador a cena termina com o inicio dos créditos, que embarcado ao som de The times they are a-changin’ do Bob Dylan (uma escolha que quase me fez chorar de alegria) mostra a ascensão e queda dos heróis mascarados, nesse mundo alternativo.

Seguindo uma narrativa confusa para aqueles que não leram os quadrinhos (já que parte da história teve que ser sacrificada ou modificada), Watchmen não é um filme de uma visita só. O filme realmente amarra todas as pontas soltas, mas exige um esforço normalmente reservado para filmes menos comerciais ou, como já dito, outras visitas (sendo que todas irão valer a pena). Não estou querendo banalizar os filmes, mas temos que entender que o casal de namorado que vai no filme por causa do marketing feroz, em um sábado a tarde, pra relaxar e trocar uns amassos não está muito preocupado com roteiros intrincados.

O enredo acompanha a conseqüência e os motivos por trás da morte do comediante. Como todos os heróis foram proibidos por lei e só podem trabalhar para o governo, a morte do mais antigo herói ainda na ativa desperta suspeitas de Rorschach (Jackie Earle Haley) já que ninguém conhece suas identidades. Procurando um a um todos os seus antigos colegas, Rorschach descobre uma trama que tem como objetivo aparente a destruição do planeta.

Uma premissa simples que entre viagens a marte e diversos Flashbacks consegue demonstrar ao mesmo tempo a simplicidade e a enorme complexidade do ser humano. Isso fica obvio quando vemos Dr. Manhattan (Billy Crudup), o único super-herói de todos (por ser o único com poderes reais), enfrentando o dilema de não ser mais considerado humano e, portanto, se tornando extremamente solitário.

Saindo um pouco do enredo para não criar spoilers temos a belíssima criação desse mundo imaginário que se forma pela presença dos heróis. Zack Snyder acertou no uso das cores e das formas, tanto nos uniformes como nos ambientes, que remetem a realidade da década de 80, algo criado por Dave Gibbons na sua arte e recriado para o filme da mesma forma que nos quadrinhos. Isso dá um tom ameaçador ao mundo que se formou, mas ao mesmo tempo inspira uma certa segurança nos ambientes internos. Todo esse trabalho consegue ainda ajudar a contar a história e deixar bem claro que o que vemos não é o nosso mundo, os zepelins que passam pela cidade e muito da arquitetura capturam a essência de como o mundo com o Dr. Manhattan seria diferente (algo mais explícito nos quadrinhos).

As atuações estão e são magníficas. As melhores são sem duvida a de Jackie Earle Haley como Rorschach e Jeffrey Dean Morgan como o Comediante. O primeiro captura a essência sociopata do herói puritano que vê o mundo com um asco tão grande que não se importa mais em matar para livrar a sociedade de seus desafetos. O Comediante também vê o mundo com nojo, mas a sua natureza bélica e sua aliança com o governo lhe dão forças para olhar de cima tudo que ele odeia na sociedade. Por isso também o Comediante é o personagem que mais se transforma ao longo do filme, saindo de um porco narcisista e se tornando um homem de moral falha e caráter dúbio que percebe o engodo em que vive e o que fez de errado.

Billy Crudup como Manhattan está muito bom, passando uma atitude serena em todas as cenas e a força do personagem em pouquíssimos pontos, conseguimos perceber através da atuação que o Dr. Manhattan é um homem que apesar de ser o mais pacífico possível entende a natureza destrutiva do mundo que o cerca e sabe se defender quando se sente oprimido. Ozymandias (Matthew Goode), que era o meu maior medo (ele tinha cara de criança nas fotos liberadas ao longo da produção do filme), se torna magistral na forma como conscientemente ele mostra seu caráter e suas idéias diferentes ao mundo, além de mostrar carisma e afeição à humanidade ao ter que cometer sacrifícios para que as coisas funcionem. Patrick Wilson como o Coruja II está bem, poderia estar melhor por ser um dos personagens principais, mas não faz feio. Carla Gugino, uma atriz que eu adoro, faz muito bem com o pouco tempo de tela que ela tem interpretando a Espectral original, mas os méritos vão para a Espectral II (Malin Akerman) que além de ser muito bonita faz muito bem o papel de alguém que involuntariamente seguiu os passos da mãe e não sabe como seguir a própria vida.

Por fim, as musicas. Poderia passar dias discutindo todas as musicas do filme e seus motivos. Sei que algumas pessoas reclamaram das escolhas feitas por Zack Snyder, mas eu acredito que, tirando um erro ou outro, os acertos foram bem maiores que os erros. Hallellujah e 99 Luft Ballons estão totalmente fora de compasso, mas só essas são os exemplos. Já falei da alegria de ouvir The times they are A-changin’, mas não posso esquecer da musica instrumental do filme Koyaanisqatsi usada na seqüência de Marte (que me deixou arrepiado), de All Along the Watchtower tocada por Hendrix (mas novamente de composição do mestre Bob Dylan) e da solenemente ignorada The Beginning is the End is the Beginning do Smashing Punkings que é tocada no Trailer desse e ficou perfeita.

Tirando uns pequenos pecadilhos que comete com a própria natureza não heróica dos nossos heróis (alguns golpes exagerados) e com o fato de ser um filme violento (o que pode desestimular uma segunda visita para algus públicos) Watchmen é um filme que vale a pena pela poesia e mensagem que tenta passar, sendo que a mensagem não de ser confundida com uma mensagem anti-belica (ainda que essa exista) mas sim com uma mensagem sobre a condição na qual a humanidade se encontra e o que estamos fazendo uns contra os outros, com eu disse "O mundo acaba com você".

By Pato

PS: Ouvi muito sobre o fato do Comediante estar logo nos créditos iniciais atirando em Kennedy, algo que apesar de não estar no livro, na minha opinião, somente mostra o lado bélico do personagem. As pessoas que disseram não compreender por que colocaram o Comediante fazendo isso não procuram entender o próprio personagem e todas as suas motivações.

PPS: Desculpem o longo intervalo

TRAILER

Juno - Jason Reitman

2009-03-22T14:46:00.005-03:00

Um dia desses eu estava sentada no meu sofá e me dei conta de que ainda não havia assistido Juno. Imediatamente, corri para a locadora e peguei o DVD. A capa já é divertida, com a menina e seu barrigão sob as listras horizontais. É difícil não achar Ellen Page uma fofa.
E o filme aconteceu. Depois dos 96 minutos eu me endireitei e pensei: "é só isso?". E era só aquilo mesmo.
O que me aconteceu não foi nada parecido com aquilo quando assisti "Little Miss Sunshine". Foi até um pouco decepcionante, e fato. Então se você ainda não assitiu Juno, faça um favor a você e aos envolvidos na produção e deixe de lado tudo o que você ouviu sobre a revolucionária história de Diablo Cody. Simplesmente sente-se e aproveite a viagem.

A história fala de uma adolescente de 16 anos - Juno - que abre o filme entornando um galão de suco de laranja. A narração dá o tom: Juno não é lá uma pessoa muito fácil de entender.
A abertura dos créditos é interessante, transformando a caminhada da heroína em animação, misturando perfeitamente a música ao rítmo dos passos. A história começa quando Juno descobre que está grávida.

Indiscutívelmente, esse é um filme de personagens, com diálogos fantásticos. Entendam, o roteiro é bem simples: adolescente grávida procura família para adotar seu bebê ao invés de abortá-lo e encontra o casal jovem e cheio de dinheiro. As coisas não vão muito bem, nem muito mal. Elas simplesmente seguem como na vida real. O que torna a película tão diferente é justamente isso: o retrato honesto daquelas pessoas, sem lirismo. Não existem estereótipos. Não existem superfreaks. Pessoas reais passeiam pela tela e nos identificamos com elas.

Juno é uma jovem diferente. Ela não é uma patricinha supermaquiada, nem uma nerd feiosa. Ela é uma metralhadora de referências e comentários sarcásticos. Se não soubessemos o que a menina tem na cabeça seria até difícil acreditar que ela tem sentimentos de verdade. Mas descobrimos sim, que ela tem. Sua condição não é tão fácil quanto ela faz parecer e seu relacionamento com as pessoas envolvidas não é tão smples quanto ela gostaria que fosse. Ela não é a heroína que queremos ser ou a vilã que queremos odiar. Ela é uma menina brilhante e amalucada que não consegue assumir o que sente. Que se esconde atrás dessa pessoa que ela inventou.

No final, quando conhecemos Juno um pouco melhor, torna-se ainda mais impossível não achar Ellen Page uma fofa. Seu trabalho é impecável e cheio de nuances. Ela torna Juno real e possível, com falhas e qualidades. O filme é tão dela quanto o título. Os atores de apoio também trabalham muito bem: todos com alguma excentricidade, mas nem por isso estranhos a nenhum de nós. O pai e a madrasta, e a forma como eles aceitam a gravidez, muito normal. Muito bonito. Muito engraçado.
O casal que deve adotar o bebê, com a mulher super controladora e desesperada para ser mãe e o marido compositor com a maior cara de que está no lugar errado e na hora errada. Eles se encaixam perfeitamente na história.
A melhor amiga cheerleader e os outros adolescentes do colégio estão muito distantes do que conhecemos sobre o Highschool americano. Como eu já disse, não há estereótipos no filme. Apenas reações engraçadas (e esperadas). Adorei esse aspecto em especial.

O personagem que, a meu ver, é o mais complexo (depois de Juno) é o progenitor Bleeker (magistralmente interpretado por Michael Cera, de Arrested Development e Superbad). Apaixonado por Juno, ele tem que lidar com a inconsistência da expressão da garota, que não consegue lidar com o que sente por ele. E, como qualquer garoto, ele não pode simplesmente implorar à Juno que seja sua namorada. Isso não se faz mais hoje em dia. E todos os eventos do filme acotecem com ele, sem que, de alguma forma, ele seja um agente mais do que passivo. Ele ouve que vai ser pai, mas não precisa fazer nada a respeito. Ele vê a garota que gosta andar por ai todos os dias e sabe que não vai estar com ela. Ele corre todos os dias. Isso é tudo o que ele pode fazer.

Quando Juno percebe que o casal perfeito não é tão perfeito, finalmente atingimos o interior da menina. Ela sente o medo, a confusão, a decepção, o peso. Mas como uma boa menina, ela sabe o que é certo. Ela aceita que o bebê é uma pessoa e se aproxima dele. Todo esse tempo ela chamava a criança de "it", equivalente a "coisa" em português. É o seu bebê e ela quer o melhor para ele. Não adianta mais virar os olhos e fingir que está acontecendo com outra pessoa. Ela decide parar de se esconder atrás da barriga e do cinismo. Ela precisa crescer.

Em termos técnicos, a película é muito bonita. Tudo bem colorido (sem saturar) e sempre nublado. Os enquandramentos são divertidos e tocantes. Uma coisa que me incomodou no começo foi a forma que toda passagem era coberta por uma música. Parecia trabalho de principiante na direção. Mas depois eu entendi. Juno é uma mãe de primeira viagem. Ela é jovem e faz as coisas acontecerem. Sua vida passa como um videoclipe, só que com músicas antigas, como as que ela gosta. Então não é supresa que o filme termine assim, como um videoclipe, com tudo exatamente onde deveria estar desde o começo.

Ressaca de Amor - Nicholas Stoller

2008-11-19T17:37:00.005-02:00

Uma das primeiras coisas que percebi ao ver Ressaca de Amor foi que o ator Jason Segel tinha muito em comum com o ator Vince Vaughn (na minha opinião um dos melhores comediantes da atualidade). Isso se deve a característica dos dois de fazer um humor melancólico, algo que de maneira alguma é ruim. Usando essa melancolia eles fazem com que você se identifique mais com o personagem, com as situações e com a trama. Afinal, quando passamos por situações difíceis na nossa vida (o tema principal do filme) tudo pode ser engraçado e triste ao mesmo tempo, dependendo de qual ponto de vista você tem.

Peter Bretter (Jason Siegel) é um cara que já não tem uma vida muito comum. Ele é um compositor de trilhas para o seriado de sua namorada, Sarah Marshall (Kristen Bell), que vive em casa o dia inteiro, não tem muitas preocupações e aproveita a vida como pode. Logo no começo do filme sua namorada chega e termina com ele e desse ponto em diante que você percebe que essa comedia romântica vai ser algo fora do comum. Afinal, um fim de namoro bem diferente, o choro comicamente incessante, os “rebotes” e tudo mais mostram que tomar um fora é algo que o filme leva a sério, e demonstra isso de uma maneira segura e interessante.

Depois de alguns momentos de choro, alguns rebotes e cenas de sexo casual hilárias, Peter resolve ir para o Havaí esquecer-se de Sarah. Um plano obviamente falho já que ele mesmo diz que era o local favorito dela. Chegando lá ele encontra Sarah com o seu novo namorado, Aldous Snow (Russel Brand), um cantor de pop/rock moderno que está, como todos, ligado em coisas espirituais e na natureza. Ao mesmo tempo ele conhece Rachel Jansen (Mila Kunis) a recepcionista que arrasada com a situação em que Peter se enfiou decide ajudá-lo.

A história, que pode parecer obvia, é na verdade um caminho para diversas piadas sobre relacionamentos e o final deles. É uma história tanto sobre o amor como sobre o sofrimento. Por isso, não é de se admirar que seja produzida por Judd Apatow, já que começamos a perceber que suas comédias, por mais pornográficas que sejam, tem como pano de fundo o romance (vide o Virgem de 40 Anos e Ligeiramente Grávidos) e mesmo não sendo um diretor que não fez muitos filmes (os dois acima citados) ele como produtor conseguiu colocar uma marca e um estilo em todos os filmes que se envolve. Além disso, os vários diretores que se envolvem com Apatow conseguem ainda deixar suas obras mais pessoais, sendo que mesmo sendo o mesmo estilo temos certeza que são obras completamente diferentes.

Voltando ao filme tenho que dizer que as atuações principais são magníficas. Começando por Peter, que consegue passar um tom de tristeza e desolamento ao mesmo tempo que inunda a tela com um belo timing cômico, passando por Aldous Snow que consegue ser totalmente despreocupado e mesmo assim nos cativar como uma criança rebelde e a os coadjuvantes, principalmente os que interpretam os nativos, que aparecem pouco e agregam muito humor (tirando Jonah Hill que foi completamente desperdiçado).

No quesito atuação um parágrafo a parte tem que ser sobre as garotas, e não é por causa da beleza (já que elas são indiscutivelmente bonitas) mas sim pelo antagonismo das duas no filme. Começando por Kristen Bell, podemos perceber que ela é uma pessoa que não se importa em fazer humor de situações absurdas ou inclusive da própria carreira (sair de seriados, fazer filmes de terror ruins). Sempre atuando com muito carisma, nós só não gostamos dela por ser o pivô da trama e a pessoa que leva o protagonista a loucura, mas mesmo assim com o tempo, não podemos deixar de perceber que ela percebe o que deixou pra trás, de uma maneira bem construída e natural, o que acaba por nos fazer simpatizar por ela no final. Mila Kunis por outro lado foi uma surpresa. Uma ótima surpresa por sinal. Saindo de alguns papeis apagados (mesmo no That 70’s show) ela alegre e despojada, e sua graça não está no humor, mas em ser o contraponto perfeito para Peter.

Todo o filme surpreende, as vezes em momentos de puro humor ultrajante (se você realmente tiver um problema com homens nus evite esse filme, algumas piadas recorrem a isso) as vezes em cenas românticas o suficiente pra ver a dois. Então se você tiver uma companheira que consiga agüentar essas oscilações assista esse filme. É essa montanha russa que faz o filme ser bom e a vida continuar.

By Pato

PS: Como Peter é um compositor ele escreve algumas musicas no filme. Essas musicas são muito engraçadas, mas não são nada comparadas a voz que ele faz. Além disso elas foram escritas por Jason Siegel, o que é um credito muito maior pro cara. Outra coisa é que apesar do título em portugues não ser tão interessante quanto o em Ingles (Esquecendo Sarah Marshall) até que não ficou de todo mal. Ponto pra eles.

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RocknRolla - Guy Ritchie

2008-11-06T18:59:00.006-02:00

Antes de qualquer coisa, deixe-me dizer uma coisa. A escolha do título Rocknrolla é ótima em qualquer país do mundo, menos no Brasil, por razões obvias. O que eu já ouvi de piadinhas infames a respeito desse título não está escrito. Por isso aproveito esse minuto para fundamentar meu ódio pelos tradutores preguiçosos de títulos de filmes no Brasil. Rocknrolla- A grande roubada? Qual foi sua inspiração? Os 7 trilhões de títulos parecidos ou o locutor da Globo anunciando as sessões da tarde?

Bom, feito isso, vamos ao que interessa.

Rocknrolla é um filme diferente ao que estamos acostumados quando nos lembramos de Jogos, Trapaças e dois canos fumegantes e Snatch – Porcos e Diamantes (os dois melhores filmes de Guy Ritchie até agora). Ele tem um estilo mais devagar, começa com um Voice Over meio fora de centro e parece querer seguir em uma jornada que nós já vimos dezenas de vezes em outros filmes do Guy Ritchie. Mesmo assim ele é familiar, com o mesmo estilo de câmera, com a mesma idéia de gangues e máfia com as mesmas convergências de histórias e tudo mais. A verdade é que é um filme novo, contando uma historia velha de uma maneira diferente.

No filme acompanhamos a vida de dois bandidos One-Two (Gerard Butler) e Mumbles (Idris Elba). Especialistas em pequenos golpes eles resolvem subir na vida comprando um terreno com grandes chances de valorizar. Mas para que isso aconteça, eles tem que negociar com Lenny Cole (Tom Wilkinson) um gangster local que é capaz de conseguir ou negar permissões de terrenos. Logo no começo do filme (como era de se esperar) Lenny engana One-Two e Mumbles, de uma maneira que não fica muito clara (como não deveria ser de se esperar), e os dois acabam por dever-lhe muito dinheiro.

A partir desse momento enquanto Lenny negocia com um Chefão Russo (Karel Roden) para garantir-lhe uma permissão que vai contra as leis de Londres, os bandidos seguem as dicas de Stella (Thandie Newton), uma contadora entediada que começa a usar os dois para pequenos crimes planejados por ela, para com essas dicas ganhar dinheiro rápido.

Além disso, paralelamente é usado um McGuffin que coloca na história Johnny Quid (Toby Kebbell), um cantor de Rock que forjou a própria morte, seus dois empresários Roman e Mickey (Ludacris e Jeremy Piven) e Bob (Tom Hardy), o comparsa de One-Two e Mumbles.

O forte do filme não é realmente a história, pois ela se desenvolve mais ou menos como previsto. O forte do filme é o seu humor. Pontual, sarcástico, seco e às vezes genial o humor do filme ganha a maioria dos espectadores que não chegam com o preconceito “Ah! Mais um filme do Guy Ritchie que tudo se converge magicamente no final”. Além disso, sou obrigado a dizer que as coisas não se convergem tão magicamente no final. As pessoas se encontram em situações nas quais elas são completas estranhas umas para as outras e tudo sai mais natural e sinérgico. Muito mais que o final de Snatch foi, a meu ver.

By Pato

PS: Eu ainda estou puto com RocknRolla – A Grande Roubada. Onde eu acho o idiota preguiçoso que traduziu isso?

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Chumbo Grosso - Edgar Wrigth

2008-09-24T08:52:00.008-03:00

Simon Pegg, Nick Frost e Edgar Wright são, sem sombra de duvida, os amigos que mais se divertem no mundo. Pense comigo, eles fazem filmes de ação, comédia e terror (normalmente misturando os gêneros, o que faz com que eles tenham três gêneros e apenas dois filmes), daí eles pegam, tiram sarro de tudo e de todos, param para se levar a sério e fazem cenas antológicas do gênero que, aparentemente, eles estavam homenageando e tirando sarro. Agora, imagine o tanto de diversão que eles devem ter durante as filmagens.

Saindo de SitComs Britânicas, o trio, que havia começado muito bem com o magnífico “Todo mundo quase morto”, resolveu assistir todos os nossos filmes de ação favoritos e provar que aquela história, de tão absurda, poderia dar um ótimo, e extremamente engraçado, filme. Para isso, bastou fazer o que todo estúdio de Hollywood faz diariamente, criar o policial ideal, na situação menos ideal do mundo.

Resumindo a ópera, o filme funciona assim: Nicholas Angel (Simon Pegg) é o policial mais condecorado, corajoso, detentor de recordes, dedicado e odiado da força policial de Londres. Ele é odiado exatamente pelo fato de ser bom em tudo que faz. Como conseqüência desse “ódio” todo, ele é transferido pelos seus superiores (em uma cena hilária) para uma pequena cidade do interior, já que ele faz a corporação de Londres “parecer ruim” comparando-a com ele. Chegando lá ele encontra os felizes habitantes da cidade mais pacifica da Inglaterra. Chegando com toda a eficiência que ele possui ele descobre que os crimes são baixos por dois motivos, um pequenas infrações são ignoradas com um tapa na mão apenas (ou uma oferta de bolo do culpado) e mortes são consideradas acidentes.

Nesse momento ele começa a tentar provar que as mortes não são acidentes e existe um assassino a solta em Sandford, algo muito dificl de se fazer quando a única pessoa que acredita nele é o impressionável Danny Butterman (Nick Frost), filho do chefe de policia Frank Butterman (Jim Broadbent). O mais interessante é ver a reação de toda a cidade ao constatar que Nicholas é insanamente dedicado ao trabalho. Afinal, logo que ele chega na cidade ele sai para beber no Pub local (suco, sempre) e descobre alguns menores bebendo (“melhor aqui dentro que lá fora” diz o dono do Pub). Ele então leva todos eles para a delegacia e, de quebra, seu futuro parceiro.

O desdém que o recepcionista da delegacia olha para ele (no meio da noite cheio de detentos) é impagável. Além disso, ele praticamente se nega a ajudar. Por falar nisso, o recepcionista da delegacia é uma das inúmeras pequenas piadas do filme, piadas essas que ajudam a segurar o bom humor o tempo todo.

O filme conta também com um elenco impecavelmente muito bom. O ex-007 canastrão Timothy Dalton faz um dono de supermercado que ao mesmo tempo que parece ser culpado, parece ser uma pista falsa. Enquanto isso Stuart Wilson, faz um médico que é conivente com todas as mortes, mesmo parecendo absurdas (suspeito? Será?). Por fim, Jim Broadbent, que faz ao mesmo tempo o pai amável de Danny, e o policial mais bondoso do mundo.

Contando com esse elenco impecável, e muitos outros vindos direto de “Todo mundo quase morto”, o filme mostra que sangue, violência, paródias e muito bom humor combinam muito bem, além de tirar uma de uma vez por todas, aquele gosto amargo que as paródias americanas tem deixado na minha boca (só de ver os trailers, imagina de ver os filmes).

By Pato

PS: Das inúmeras participações especiais, duas estão muito discretas, Cate Blanchet como a ex-namorada de Angel (de mascara) e Peter Jackson como o Papai Noel esfaqueador (no estilo, pisque e perca).

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A Pequena Sereia - Ron Clements & John Musker

2008-09-17T18:51:00.004-03:00

Dependendo de quando foi a sua infância você foi criado com um filme diferente da Disney. Uns foram criados com o Rei Leão, outros foram criados com Alladin, alguns beeeeem mais velhos foram criados com Bambi ou Branca de Neve. Eu, por outro lado, tive a sorte de ter um pai obcecado por filmes da Disney, o que fez com que eu tivesse contato com praticamente todos os desenhos existentes (obrigado pai).

Nunca assisti seguindo uma cronologia. As vezes via Alladin, outras vezes a Dama e o Vagabundo e as vezes Bernardo e Bianca. Isso fez com que cada filme tivesse um apelo diferente, mas não necessariamente o apelo de marketing de seu lançamento (como eu era criança nunca achava que o filme era um lançamento da época, achava que era meu pai querendo levar a gente pra ver outro desenho, por isso não havia nenhuma expectativa especial).

Como cresci com esses filmes, acabou se tornando um movimento natural perceber quais eu gostava mais e quais eu gostava menos, e enquanto minha paixão pelo cinema aumentava, eu começava a desconstruir o que mais me encantava nesses filmes. Naturalmente, com o advento do DVD, meu pai (sempre ele) começou a comprar os filmes da Disney que iam saindo nesse novo formato, e finalmente me dei conta de uma coisa: nenhum filme exercia um fascínio tão grande sobre mim quanto a Pequena Sereia, e era o único que demorava demais para sair em DVD. Foi nesse momento que percebi que a Pequena Sereia era, para mim, o grande desenho animado da minha infância.

Mas também não é a toa. O filme conta uma história fantasiosa que é composta de pequenos atos (na época não era necessário um roteiro rebuscado para se ter uma grande história) que contam a história de maneira simples, porém ser perder, nem por um segundo, a energia e magia que a cerca. A história desenvolve-se em torno de Ariel (Jodi Benson), a mais jovem filha do Rei Tritão (Kenneth Mars). Ela é uma sereia que se apaixona por tudo que é feito pelos humanos e, por conseqüência, por um humano, o Príncipe Eric (Christopher Daniel Barnes). Quando o rei descobre essa paixão ele destrói toda a coleção de objetos humanos que ela possuía, fazendo com que ela se envolva com a Feiticeira Úrsula (Pat Carroll) em busca do seu amor. Mas esta feiticeira finge ajudá-la apenas para poder chegar mais perto de roubar o poder do Rei.

Perceba duas coisas. Primeiro: reconheceu algum dos atores? Não? Pois saiba que nessa época eram pouquíssimos os atores famosos que dublavam as animações Disney (tanto em inglês quanto em português). Na minha opinião isso só aumentava a qualidade do filme, já que um dublador profissional cria vozes de acordo com o personagem, o que dá mais liberdade para que, juntamente com os roteiristas e animadores, possa se criar um personagem mais marcante e interessante. Hoje, quando um ator famoso dubla um personagem, muitas de suas características são emprestadas ao desenho, além de não haver nenhuma mudança na voz do ator para se encaixar no personagem ou na narrativa (normalmente, existem alguns atores que fazem exceções como, por exemplo, o Mike Myers em Shrek).

A segunda coisa a perceber é que contando a história eu cheguei a metade do filme (três dos seis atos), o que significa que ele não é muito especial no seu roteiro. Mas o importante é que cada personagem, mesmo que minimamente, é bem construído, deixando-os mais interessantes e capazes de fazer-nos amá-los, odiá-los, torcer por eles, chorar por eles ou se perguntar o que ocorrerá depois do final do filme com cada um deles (no meu caso, principalmente o Linguado).

As musicas são, com o perdão do trocadilho, um show a parte. Me limito a colocar aqui alguns exemplos (em esse e esse, em português) dessas musicas, que me dão uma sensação maravilhosa ao ouvir.

Contando ainda com uma técnica de animação muito boa, que pode não se comparar aos filmes mais recentes da Pixar, mas mesmo assim é magnífica no uso das cores dentro e fora d'água, percebemos que esse filme é formado por milhões de coisas preciosas que engrandecem a obra, a torna mais atemporal e um clássico que deve ser revisto. Eu revi. Quando você vai rever esse filme ou o seu desenho favorito? Com seus filhos não conta, a não ser que eles tenham mais de 12 anos.

By Pato

PS: Se você pensar em alguns anos no futuro, quem será Mike Myers? Será que a sua voz será tão relevante para o filme Shrek? E o Eddie Murphy, sua voz foi a mesma de sempre em Shrek (apesar de ter funcionado bem no Burro), será que será relevante ele ter feito essa dublagem? Coisas a se pensar. (Updated 02/10/08) OUTRA COISA! Como ouvi reclamações quero explicar que Branca de Neve é de 1937 e Bambi de 1942, por isso eu disse que quem foi criado com esses filmes era "beeeeeeeeeeeeeeeem mais velho".

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O Nevoeiro - Frank Darabont

2008-09-17T18:26:00.003-03:00

Quando eu li o livro Tripulação de Esqueletos de Stephen King eu nunca imaginei me deparar com um conto que pudesse me aterrorizar tanto quanto o A Névoa. Dentre dezenas de contos fantásticos, tanto de terror quanto de fantasia, A Névoa se sobresaia pelo simples fato de que além das pessoas estarem ilhadas e separadas de todos aqueles que elas amam, elas são obrigadas (por advento de algumas pessoas) a lutar umas contra as outras para poderem escapar da destruição certa.

Obviamente quando li o conto, minha imaginação deixou-me intrigado de como seria visualizar esse mundo cercado por uma névoa. Névoa essa não mortal, mortal é o que ela esconde, o que torna tudo mais perigoso (afinal, quem não pensaria que existe sempre uma chance de fugir, mesmo que pequena, só para se descobrir enganado enquanto mandíbulas buscam sua carne J).

Por isso, quando descobri que o filme estava sendo feito, fiquei muito feliz (mesmo sabendo que pouquíssimos filmes de Stephen Kings ficaram bons), quando descobri que o diretor era Frank Darabont (dos ótimos Um sonho de Liberdade e A Espera de um Milagre, ambos de King) fiquei mais feliz ainda. Tanto que nem a noticia de que o personagem principal era Thomas Jane me abalou. Nem a distancia de quase um ano entro os lançamentos no Brasil e nos EUA me deixou triste também (afinal aqui não foi direto pro vídeo – bom sinal).

Descobri-me recompensado pela espera, o filme é maravilhoso. Resumindo a história, o pintor David Drayton (Thomas Jane, finalmente atuando bem) resolve ir com o seu filho (Nathan Gamble) e um vizinho (Andre Braugher) ao supermercado comprar provisões logo após uma forte tempestade. Chegando lá uma forte névoa (ou neblina, nunca sei a diferença) cerca o local. Isso não seria nada de mais se Dan (Jeffrey DeMunn) não chegasse correndo e sangrando e dissesse que existem monstros na névoa. Alguns encaram com ceticismo, outros encaram como o fim dos tempos divino e outros tentam descobrir como sobreviver.

A trama então começa a analisar essas mudanças súbitas de comportamento pelas quais as pessoas passam. Algumas começam desde o começo, correndo atrás de seus familiares e entes queridos, alguns aos poucos vão angariando pessoas que suportem suas suposições, outros permanecem céticos muito tempo antes de perceberem a que pé se encontram.

Assim o filme começa a mostrar uma guerra de nervos entre os sobreviventes. Algo que os faz se unirem em pequenos ou grandes grupos e lutarem uns contra os outros. Certos acontecimentos comprovam um grupo em certo momento, outros comprovam outros grupos, e o interessante é ver certos personagens mais volúveis cedendo a um ou outro grupo dependendo da ocasião.

Mas um filme de terror tem que se basear em seus sustos e medos, e nesse aspecto que O Nevoeiro se sobre sai de qualquer outro exemplar do gênero de terror. Com monstros assustadores (as aranhas, MEU DEUS! As aranhas!) criados com esmero, as seqüências dos monstros são surpreendentemente fortes e seguras, sabendo que nunca serão reais, mas que podem ser nossos piores pesadelos.

Com atuações marcantes de todos os personagens o filme ainda tem o trunfo de ter Toby Jones como Ollie, o sujeito franzino que ninguém dá nada pra ele; e Márcia Gay Harden como a senhora Carmody, uma figura emblemática que aos poucos mostra sua verdadeira face.

Por fim, literalmente, o filme tem um final surpreendentemente forte e triste, que vai fazer com que muitos saiam do cinema soltando muxoxos do tipo “isso nunca ocorreria”, “que idéia idiota”, mas pensando que no fundo aquele é um dos melhores finais de um filme em muito tempo.

By Pato

PS: (SPOILERS) Poucos sabem, mas o jogo mais famoso do mundo (do entretenimento eletrônico), Half Life, foi baseado na suposição de seus criadores de que se foi ruim para o mundo aqui fora, imagina para quem estava na base militar.

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Corpo Fechado - M. Night Shyamalan

2008-09-16T11:48:00.007-03:00

Quando escrevi uma Resenha Atômica do filme Fim dos Tempos de M. Night Shyamalan, cometi dois erros. O primeiro foi chamá-lo de M. Night etc. ou M. Night Blá Blá Blá, o segundo foi balizar minha raiva sobre o filme começando a carreira do diretor pelo filme Sexto Sentido. Primeiramente gostaria de explicar por que fui tão mal com esse diretor. Tudo se deve ao fato de que, para um homem onde os detalhes eram acima de tudo parte de uma história maior e mais complexa, a falta de riqueza e a contundência (afinal ela tinha a delicadeza de um porrete) da história foram, a meu ver, a maior decepção que já tive.

Mas para entender o nível da decepção, devo salientar que, novamente, a meu ver, o melhor filme de M. Night Shyamalan não é o Sexto Sentido (como muitos apregoam), mas sim, Corpo Fechado.

Corpo Fechado é uma idéia magnífica que toma uma forma maravilhosa com o tempo. A história do filme, para quem não o viu ainda, é sobre David Dunn (Bruce Willis) um homem que se torna o único sobrevivente de um desastre de trem. O mais interessante de tudo é que ele sai sem nenhum arranhão, totalmente ileso, de volta aos braços da família (Robin Wright Penn & Spencer Treat Clark). É nesse momento que Elijah Price (Samuel L. Jackson) entra em cena brandindo conhecer mais sobre David do que ele imagina.

A jornada que iremos seguir juntamente com David e Elijah não é uma que deve ser vista somente uma vez. Cheia de riqueza e detalhes, percebemos cada vez que revemos a história, aspectos novos, pequenas nuances.

Aspectos esses que vão engrandecendo a narrativa. Além disso, devo admitir que o cerne da história (histórias em quadrinhos) é uma paixão minha, e vê-la caracterizada de uma forma tão poética nesse filme sempre me anima.

Por isso digo que, assim que Elijah mostrar sua teoria pra David, por exemplo, comece a reparar nas cores dos personagens, mesmo aqueles que não parecem ser muito importantes. Comece a reparar também em como eles interagem, sua forma de ver o mundo e em pequenos pontos do seu diálogo. Esse é um filme cheio de cenas preciosas que podem passar despercebidas em uma primeira vista, mas que se tornam de uma beleza inegável na segunda, terceira ou quarta.

Com uma atuação interessante tanto de Samuel L. Jackson quanto de Bruce Willis, é incrível perceber que ambos estão contidos em seus personagens (considerando que normalmente eles são bem extravasados em seus filmes, veja por exemplo esse meu post) e que o personagem mais emocional acaba sendo Joseph, filho de David. Essa é também uma opção interessante do diretor, mostrar ambos os personagens principais contidos, só que por motivos diferentes: David é contido por não se entender, por não saber o que ele é. Elijah é contido por sua fragilidade, o que também não o impede de ser uma pessoa muito forte e impactante (nesse ponto, devo dizer, e deixar bem claro, que a caracterização de Samuel L. Jackson é tão impactante que fica um residual de um personagem explosivo, mesmo não o sendo).

Contando com cenas maravilhosas, que deixam a todos impressionados, e com falas magníficas: “Eu deveria saber, por causa das crianças...”, Corpo Fechado é, em minha opinião, o melhor filme de M. Night Shyamalan, melhor até que o Sexto Sentido, que perde a graça depois da primeira vez. Esse é um filme para fãs de quadrinhos e um filme para quem gostaria que só um pouquinho daquilo fosse verdade.

By Pato

PS: Por falar em frases magníficas, toda a personagem da mãe de Elijah (Charlayne Woodard) consegue ser interessante e inteligente mesmo aparecendo tão pouco. Às vezes, ela consegue ser até um pouco premonitiva.

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O Cavaleiro das Trevas - Christopher Nolan

2008-07-25T09:46:00.010-03:00

Ao terminar de assistir o Cavaleiro das Trevas, lembrei-me que estavam comparando o novo Coringa com aquele do quadrinho “A Piada Mortal”, e não pude deixar de compará-lo com outra referencia diferente, o Mr. Rictus, do quadrinho “O Procurado”.

Entendo que “A Piada Mortal” seja uma boa referencia, pois realmente vemos o Coringa nessa obra de uma maneira mais brutal e insana do que em qualquer outra obra. Mas não pude deixar de perceber que o Mr. Rictus (que obviamente foi baseado no Coringa) acabou se tornando uma referencia ainda maior, mesmo que não proposital. Para aqueles que não o conhecem, deixe-me explicar: Mr. Rictus é o vilão dos vilões em “O Procurado”, ele é o pior que pode haver na humanidade. Ele, como o Coringa, não se importa tanto com o dinheiro como se importa com o caos. Sua origem é bem simples, ele era um industrial cristão e devoto, que depois de um acidente se tornou tão queimado e deformado que morreu na mesa de cirurgia por alguns minutos, tempo mais do que suficiente para descobrir que não havia céu ou inferno, não haveria compensação ou castigo, e que, enfim, ele poderia ser mal como quisesse que não sofreria nada por isso. Mr. Rictus é insano e totalmente sem propósito, algo que o Coringa nunca havia sido, nem mesmo em “A Piada Mortal”. Ele e o coringa pensam da mesma maneira, ou seja, nas próprias palavras de Mr. Rictus “sempre achei que o dinheiro fosse apenas um bônus”

Mas “A Piada Mortal” ainda é uma boa referencia. O filme extrai dessa revista o tom de provação que o Coringa urge contra o mundo que se opõe a ele. É como se ele se visse obrigado a provar que todos são como ele. “A loucura é como a gravidade, só precisa de um empurrão” diz ele em certo momento, como que querendo que entendamos os seus motivos. Nesse momento que devo dizer que essa caracterização é muito complicada e que por isso o mundo inteiro concorda que esse Coringa é tão genial. Heath Ledger está excepcional criando um personagem tão instável e imprevisível que estamos sempre torcendo pelos mocinhos e na beira de nossas cadeiras. São tantos detalhes que formam esse personagem (perceba como ele realmente se comporta como um palhaço de verdade logo após invadir armado uma festa) que entendemos ele como uma ameaça real, algo que poderíamos topar na rua a qualquer momento. O diretor também faz um excelente trabalho criando, por exemplo, momentos onde a maquiagem do Coringa aparece borrada ou faltando, o que mostra que ele usa a maquiagem mais por gosto que por necessidade. Sua cicatriz é uma incógnita e ele usa isso como ponto de provocação, dependendo da situação em que se encontra ele diz que as arranjou de uma maneira ou de outra (sendo a primeira delas um show a parte do personagem e consequentemente de Heath Ledger).

Mas ao contrario do que muito se especulou, o Coringa não rouba a projeção. Ele é sim um personagem extremo e interessante, mas mesmo assim ele é apenas um catalisador para tudo que ocorre durante o filme. Na verdade o que rouba a projeção é o desenvolvimento dos personagens. Se uma pessoa acordar de um sono de anos e pegar esse filme sem nenhuma informação nem dele nem do Batman Begins, ela seria capaz de apreciar esse filme somente pelos personagens. Primeiramente temos um Batman angustiado, seus esforços para criar uma Gothan sem bandidos deram resultado, mas não da maneira esperada. Os bandidos o temem e tentam de todas as maneiras evitá-lo, mas infelizmente pessoas comuns começaram a imitá-lo e isso os deixa a mercê de bandidos perigosos. Por isso ele sente o peso do personagem que criou, e por isso percebe que tem que ajudar Gothan criando um sucessor que não seja mascarado e que possa ser temido e respeitado. Enquanto isso Jim Gordon cria uma unidade para crimes hediondos, somente para o novo tipo de vilão que Batman criou. Só que mesmo com a ajuda do Batman o poder do crime e da corrupção faz com que eles sempre estejam dois passos atrás dos bandidos, já que a própria polícia se vende aos bandidos. No entanto surge Harvey Dent, um promotor honesto que começa a caçar e prender os bandidos. Ele surge primeiramente como uma duvida. Não se sabe se ele é honesto ou se só quer criar um circo na mídia para chamar a atenção, mas aos poucos Batman começa a ver nele como uma resposta aos seus lamentos, alguém que poderá adquirir a imagem de salvador de Gothan e inspirar de maneira mais real os moradores da cidade.

Os atores estão excepcionais, seja Gary Oldman como Jim Gordon, Michael Caine como um Alfred mais cínico ou Christian Bale como Batman vemos atuações belíssimas e dignas de nota (que sabíamos que seriam assim, pois participaram do ultimo filme), mas a melhor de todas (excetuando-se Heath Ledger) teria que ser a de Aaron Eckhart como Harvey Dent. Ele imprime tanta força ao personagem que percebemos suas capacitações e limitações. Seu arco é tão bom que nos faz sentir triste quando acaba, mas não vou falar disso agora e vou fazer uma versão com spoilers ao final dessa.

Por fim, o filme é maravilhoso. Sem igual a muito tempo. Adorei sua história, e me emocionou de tal maneira que acredito que até o próximo filme Batman me lembrará de tristeza.

By Pato

Ps: Depois de ver o filme leia minha versão Spoilers e me diga o que você acha.

SPoILeRS (Aperte Ctrl+A no seu teclado)

Queria começar falando da morte do Duas Caras (quer ver como o Duas Caras fica no filme? Clique aqui por sua conta e risco). Foi uma coisa tão forte para mim a sua morte, a morte de Harvey Dent, que eu somente percebi que ela era definitiva na segunda vez que eu assisti. Uma coisa que tenho que deixar claro é que quem morreu não foi Duas Caras, pois esse personagem é como o conhecíamos. Depois de Cavaleiro das Trevas o Duas Caras para mim não é um vilão, é a vingança psicopata de Harvey Dent. Tanto ele não é o vilão que sua morte é a única resposta nesse Batman real. Pense comigo, como funciona como vilão uma pessoa que a única motivação criminosa é matar as pessoas que acabaram com a sua vida? O que ocorre quando ele tem sucesso nisso? Ele se mata? Ele se entrega? Nesse ponto depende do espectador, já que pode ser que Harbey Dent tenha se entregado ou desistido, afinal ele acima de tudo ele deveria saber que o Batman não morreria com apenas um tiro. Mesmo sabendo disso ele deixou Batman para tratar de destruir Jim Gordon. A meu ver ele sabia que Batman não morreria, o que na verdade ele queria era conseguir o máximo possível de sua vingança até ser destruído pelo Cavaleiro das Trevas. O que me evoca ao segundo ponto. Nunca na minha história de cinéfilo eu sai de um filme tão tocado. Tanto pela escolha de Batman, quanto pelo destino de Harvey. Eles me lembraram de como é o mundo em que vivemos e de como nossas escolhas podem ser boas ou ruins e que mesmo escolhendo o melhor caminho os resultados podem não ser bons para todos.

O que me deixa com mais uma consideração sobre o Coringa e o fato de representar a escolha do mundo. A cena da balsa no final do filme é uma cena poética que mostra tanto sobre o seu caracter quanto sobre seu estado de espírito. Afinal ele não é inteiramente louco, ele é meio louco, mas muito mais sádico do que louco. Ele também não está a procura de dinheiro ou poder, que em certo momento ele mesmo admite serem coisas banais (perceba que ele não pediu resgate pela balsa ou se preocupou em avisar as autoridades sobre seu ultimo ato). O que ele busca na verdade é um sentido, ele causa o caos para do caos extrair suas respostas. Ele causa a dor para extrair sentido do que todos consideram bizarro. Por isso tudo Batman se torna algo tão forte na vida dele. Batman na verdade é a resposta que veio antes dele fazer a pergunta, e em um momento ultra nerd ouso dizer que Batman é o 42 do Coringa.

TRAILER

Resenhas Atômicas

2008-06-27T12:30:00.014-03:00

Você quer saber um pouco e eu não quero falar muito.

Juno - Jason Reitman

Ellen Page ... Juno MacGuff

Michael Cera ... Paulie Bleeker

Jennifer Garner ... Vanessa Loring

Jason Bateman ... Mark Loring

Allison Janney ... Bren MacGuff

J.K. Simmons ... Mac MacGuff

Juno é o tipo de filme que quer passar uma sensação boa no seu final. Admitidamente sarcastisco e com uma premissa um pouco politicamente incorreta, o filme acompanha a história de Juno, uma adolescente que engravida do namorado e precisa lidar com essa situação, já que não vai ter condições de cuidar do bebe. Partindo desse ponto ela entra em contato com um casal que quer adotar uma criança, pois a mulher não pode ter filhos. O mais interessante são as atuações, todos estão ótimos, mas Ellen Page soa meio fora de esquadro como uma adolescente que descobre que está gravida e não dá a mínima importancia a isso; por outro lado, Jennifer Garner, uma atriz que eu não dou nada por ela normalmente, está muito bem como uma mulher que tem tudo na vida, menos uma vida em si.

Com um final bonito e que conseguiu resgatar meu apreço pela personagem príncipal, Juno é um filme que tem que ser visto. Nem que seja pra descobrir por que ganhou o Oscar de melhor roteiro.

Trailer

No Vale das Sombras - Paul Haggis

Tommy Lee Jones ... Hank Deerfield

Charlize Theron ... Det. Emily Sanders

Jason Patric ... Lt. Kirklander

Susan Sarandon ... Joan Deerfield

James Franco ... Sgt. Dan Carnelli

Josh Brolin ... Chief Buchwald

Tenho que dizer que no meio de No Vale das Sombras, eu comecei a planejar uma resenha para esse filme, mas quando chegou o final eu percebi que nunca consiguiria escrever a resenha pois todas as minhas idéias e planos estavam baseados anquilo que eu achava que seria o final do filme. No Vale das Sombras se torna um filme extremamente interessante por isso, acompanhamos u

m pai que tenta descobrir quem matou o seu filho e junto com eles vamos descobrindo pedaços de informações que as vezes levam a algum lugar as vezes a lugar nenhum. Mas o mais interessante não é isso, é que descobrirmos tudo juntamente com o protagonista, investigamos com ele, analisamos com ele, julgamos pistas importantes juntamente com ele e descartamos informações com ele, fazemos isso inconcientemente, o que nos coloca em uma posição muito delicada; a de seres humanos.

Com atuações compententes e um elenco composto por grandes estrelas o filme não deixa a desejar em momento algum. Talvez só no final que quase com certeza não vai ser o que você estava imaginando.

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Miami Vice - Michael Mann

Colin Farrell ... Sonny Crockett

Jamie Foxx ... Ricardo Tubbs

Li Gong ... Isabella (as Gong Li)

Barry Shabaka Henley ... Castillo

Luis Tosar ... Montoya

Ciarán Hinds ... FBI Agent Fujima

John Ortiz ... Jose Yero

Vamos começar por três pontos muito importantes: 1) Nunca assisti a série Miami Vice na TV; 2) Nunca gostei do Colin Farrell (Apesar de gostar muito do resto do elenco) e 3) Achei que Miami Vice ia ser Bad Boys 2 tudo de novo.

Tenho que adimitir então que para minha grata surpresa, Miami Vice me fez perceber três outras coisas: 1) A série de TV que se dane; 2) Colin Farrell se deu bem com o personagem para nosso alivio (e o resto do elenco nem se fala) e 3) Bad Boys 2 é uma bosta, Miami Vice é muito bom.

Brincadeiras a parte Miami Vice é um filme com uma estrutura dificil, onde o limite do que os mocinhos podem fazer (ou querem fazer) para pegar os bandidos muda o tempo todo; onde as pessoas de confiança mudam toda hora; e onde as vezes é necessário desistir de um objetivo em prol de outro maior.

Com um ação animadora (mesmo com uns momentos mais parados) Miami Vice é um filme que pode desagradar aqueles que querem algo mais Fast Food, mas com certeza vai ficar na memória de quem curte um bom cinema.

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Fim dos Tempos - M. Night Shyamalan

Mark Wahlberg ... Elliot Moore

Zooey Deschanel ... Alma Moore

John Leguizamo ... Julian

Ashlyn Sanchez ... Jess

Betty Buckley ... Mrs. Jones

Spencer Breslin ... Josh

M. Night etc. começou muito bem sua carreira. Logo entre seus primeiros filmes estava O Sexto Sentido, um filme extremamente inteligente sobre as descobertas das pessoas. O filme tinha muito do sobrenatural (o que se tornou marca em seus filmes) mas era interessantissimo, pois acompanhavamos as angustias dos protagonistas. Nos seus filmes seguintes ele foi piorando seus roteiros até que chegou ao fundo do poço com a Dama da Agua. Acontece que ele não melhorou nada desde seu ultimo filme e que nesse Fim dos tempos ele consegue acabar com uma idéia muito boa. No filme a natureza se revolta e começa a atacar os humanos da unica maneira possivel, fazendo as arvores soltarem algo que faz os humanos ficarem loucos e se matarem, no começo atinge grandes grupos de pessoas, até que grupos menores e menores disparam esse mecanismo de defesa. Interessante não? Pois um dos maiores problemas do filme está aí, esse enredo que deveria ser entregue de uma forma simples, só para criar uma tensão crescente, é explicado de uma forma pseudo-cientifica, só para estragar tudo (só pode ser por isso). Além disso as falas são ruins. Muito ruins. A maior crise que o casal principal tem é o fato da mulher ter comido um Tiramissu com um cara e ele ficar ligando pra ela (se fosse minha namorada que falasse algo assim pra mim, eu iria rir primeiro e perguntar “o que é Tiramissu?” depois). Tirando frases toscas que tiram toda a sua atenção do que é importante, o filme tem seus pontos positivos nas sequencias de morte das pessoas, que mesmo sendo graficas, nunca são fortes demais e nunca exageram. Resumindo, M Night blá blá blá é ruim, mas ainda mata muito bem (os personagens de maneira interessante e sua platéia de tédio).

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Na roda da Fortuna - Joel & Ethan Coen

2008-06-20T17:14:00.006-03:00

Em certo momento do filme na “Roda da Fortuna”, nos deparamos com dois narradores que visualizam uma cena e a descrevem e atuam a fala dos personagens principais (vistos em segundo plano), eles imaginam o que cada um está dizendo ou pensando baseando-se no fato que já viram aquela situação milhares de vezes. É uma cena absurda e hilária, que se utiliza de uma maneira muito incomum para descrever aquilo que seria clichê se fosse rodada normalmente e por diretores inexperientes (ou até experientes).

Na roda da fortuna é todo assim. Do começo até o final vemos maneiras inusitadas de contar uma história que cansamos de ouvir de uma maneira comum (e que admito que deve ter sido divertido da primeira ou segunda vez), todas essas maneiras contadas de forma tão única e genial que ficamos pensando se aquilo é o clichê que já vimos tantas vezes ou não. Outro ótimo exemplo é quando um personagem passa por um momento difícil, e acaba entrando em um bar já bêbado e pedindo uma bebida, só para descobrir que é um bar Beatnik e que só serve sucos.

Todas os atores estão afinadíssimos, Tim Robbins interpreta o jovem Norville Barnes que sai do interior americano e vai tentar a vida em Nova Iorque. Logo vemos que ele não é a pessoa mais inteligente do mundo, e não deve estar nem na média. Mas ele tem um plano, que não consegue explicar pra ninguém, e espera que o plano faça sua carreira subir. Daí encontramos Sidney J. Mussburger (Paul Newman – que deve ter se divertido muito fazendo esse filme) um grande executivo de uma empresa estilo Rockfeller que acabou de perder seu presidente (Charles Durning), que se jogou da janela do ultimo (ou penúltimo) andar do escritório ao descobrir que sua empresa estava fazendo mais dinheiro que seria possível prever.

Mussburger então começa a procurar um novo presidente, o mais idiota possível, para que o pânico dos acionistas faça o preço das ações abaixarem e ele possa comprá-las o mais barato possível. Ao mesmo tempo Norville começa a trabalhar na sessão de correspondência da empresa e pegam ele para entregar uma carta para os executivos (trabalho que todos evitam). Logo, Norville se torna presidente da empresa, e como era de se esperar começa e ser investigado por todos, principalmente por uma jornalista chamada Amy Archer (Jennifer Jason Leigh) que faz o tipo mulher-macho que ganha de qualquer homem na redação.

Agora eu peço um favor. Leia novamente o texto acima e descubra quantos pontos você já viu em outros filmes? Vários, certo? Em um filme comum, com um diretor e um roteirista pouco inspirados, esses elementos seriam banais e corriqueiros, mas em um filme dos Irmãos Cohen todos esses elementos são colocados de uma forma tão inspirada que torna esse filme imperdível. Um filme que deve ser assistido diversas vezes, pois cada vez que ele for assistido ele mostrará uma outra nuance, outro ponto que não havia sido percebido e que dá um tom interessantíssimo a um conto que querendo ou não (clichê ou não) mostram o bom e o ruim do poder, dos negócios e das grandes indústrias.

Pode até parecer exagero, mas olhando bem, olhando de perto, vemos que as políticas de negócios das empresas não se diferem da visão de Mussburger, que querem dinheiro e sucesso a qualquer preço. O poder não é diferente do apresentado no filme também. Logo que chega no topo Norville Barnes muda, se torna diferente, menos cativante mas não menos inocente, as pessoas a sua volta mudam e se aproveitam do seu orgulho adquirido e da sua inocência, e sobem em torno dele jogando-o para baixo.

Esse é um filme com uma moral, não se engane. Ele mesmo por baixo de uma camada de humor e inocência, mostra muito sobre o mundo que nos cerca e sobre as pessoas que vivem nele. Ele não se difere de Onde os Fracos não tem vez no seu objetivo, mas sim no seu conteúdo e no que quer mostrar. É uma maneira mais fácil de encarar uma dura realidade, só que nesse caso com um final feliz.

By Pato

PS: Em certo momento do filme a cena se congela, a cara do Paul Newman mostra a capacidade desse ator, que pode ser vilanesco e extremamente engraçado ao mesmo tempo. Além disso, ficar com aquela cara por um certo tempo deve ser muito difícil.

PPS: Esse filme foi escrito também pelo Sam Raimi (Homem Aranha, Evil Dead)

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Três vezes amor - Adam Brooks

2008-06-20T16:44:00.004-03:00

Particularmente falando, eu posso dizer que vivo o romance ideal. Apesar de mudar de pessoa pra pessoa o romance ideal chega a nós pelo menos uma vez na vida, ou pelo menos é o que eu acho. Mas como o romance ideal e o romance real são conceitos totalmente abstratos não era de se estranhar que Hollywood pegasse uma maneira de ver o romance ideal e a copiasse a exaustão. Para resumir essa maneira nada interessante de se ver o romance podemos dizer que funciona sempre da mesma maneira, o garoto conhece a garota, eles se apaixonam ou se odeiam, surge um problema entre eles e eles ficam juntos no final. Pensei em compilar uma lista de filmes que fazem isso mas ia pegar muito espaço.

Então, em uma tarde desocupada, convidei o meu romance ideal para o cinema e sem ter me interessado por nenhuma das opções, escolhi Três vezes amor. Tenho que admitir que não esperava algo muito bom, e me surpreendi. Não é uma comédia romantica que vai agradar a todos, mas com certeza é algo completamente diferente do comum, e muito melhor também.

A história acompanha Will Hayes (Ryan Reynolds), que ao pegar sua filha de 11 anos, Maya Hayes (Abigail Breslin) no colégio descobre que ela teve uma aula de educação sexual. A partir dai ele tem que se explicar por que os homens e mulheres vivem juntos e se separam (já que para ela o amor é eterno), além de ter que explicar o eminente divorcio com a sua atual esposa, mãe da menina. Começando pelo título “Três vezes amor” o filme não se importa em mostrar que sempre que uma pessoa está apaixonada ela acha que sua paixão é sua alma gêmea e que o acompanhará pelo resto de sua vida. Todos fazemos isso por mais tolo que seja, mas não se vê isso nos filmes. Conseqüentemente, para quebrar esse paradigma Will começa explicando à sua filha que relacionamentos “são complicados”.

A partir desse principio, ele resolve provar isso a ela, contado a história de sua vida e principais relacionamentos mudando o nome das envolvidas e pedindo que sua filha tente descobrir entre as três existentes na história, qual se tornou sua mãe. Girando em torno de três mulheres (Emily - Elizabeth Banks, April - Isla Fisher e Summer - Rachel Weisz) a história mostra os encontros e desencontros de relacionamentos comuns, onde uma mulher pode apresentar uma amiga que no futuro rouba o amor de sua vida, onde a traição pode ser perdoada com o tempo, onde você conhece pessoas que lhe encantam mas que um dos dois sempre está comprometido e o relacionamento nunca funciona, ou seja, tantas idas e e vindas e voltas e corta caminhos que acaba por se tornar real, se tornar o que realmente é, se tornar o amor.

Com um elenco competente e com uma atuação maravilhosa de Isla Fisher, ainda podemos ver Kevin Kline como um misógeno professor que não gosta das escolhas de ninguém a sua volta.

Tendo como o pano de fundo político como seu ponto mais fraco o filme se sobressai das comédias românticas habituais e se torna uma pequena peróla em um gênero mais que saturado. Mesmo que somente uma vez, eu recomendo que esse filme seja assistido.

By Pato
Ps: O que mais me chamou a atenção (e muito provavelmente me fez ir assistir esse filme) foi o título em inglês. Defenitely, Maybe é uma expressão de confusão, onde a pessoa diz que definitivamente a resposta é talvez. Também é o nome de um dos maiores álbuns do Oasis, uma banda que por mais que reclamem, eu adoro

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What did you say?

2008-06-05T10:19:00.004-03:00

Eu sei q esse é um Blog de Cinema mas eu ainda estou esperando uma revisão das minhas resenhas então resolvi colocar algo completamente diferente.

Então, como diria o Monthy Python: And now, for something completely different

Golpe de Mestre - George Roy Hill

2008-04-14T15:33:00.003-03:00

Antes de escrever qualquer coisa eu tenho que admitir que tenho um fraco por filmes de golpe. Onze homens e um segredo, os Vigaristas, Confidence, todos esses filmes me animam pois todos eles tem algo em comum, você não sabe como é o golpe até o final do filme. O irônico disso tudo é que Golpe de Mestre não segue esse mesmo padrão e mesmo assim se mostra levemente superior a esses filmes (eu disse levemente, afinal esses filmes são muito bons).

Golpe de Mestre começa quando um golpe dado por Johnny Hooker (Robert Redford) dá certo, mas atinge o chefão do crime Doyle Lonnegan (Robert Shaw), que se mata o parceiro de Hooker por vingança e coloca um assassino em sua cola. Ele então procura Henry Gondorff (Paul Newman), um golpista especializado em golpes longos (que necessitam de tempo para arrancar muito dinheiro da vitima) para aplicar um golpe em Doyle Lonnegan e tirar aquilo que ele mais preza: muito dinheiro.

O golpe em si fica extremamente claro logo que Doyle entra na história montada por eles. Não é nenhum segredo o que eles pretendem fazer para enganar o bandido e também não é nenhum segredo como eles vão fazer isso, o mais interessante de tudo nesse filme é exatamente estar participando da história com eles e se sentir enganando Doyle até o final (que mesmo assim não deixar de ter sua grata surpresa).

Na verdade, apesar do golpe ser muito bom, o melhor do filme mesmo são os golpistas. Ao longo da projeção vemos pequenos golpes e truques e percebemos como agem e pensam todos eles. E a caracterização dos atores é impecável. É interessante de se ver afinal que todos os golpistas que participam do golpe, sejam experientes ou não, são tratados como parte do grupo e todos se ajudam para que nada dê errado, o que cria uma caracterização interessantíssima e bem profunda de todos os personagens, inclusive dos secundários (que às vezes se tornam tão personagens quanto os principais, mesmo que seja apenas por momentos).

Muito ainda se deve á direção de George Roy Hill que não só retrata a época com fidelidade (a lei seca, as casas de jogo, as máfias e a recessão), mas também ajuda a construir os ambientes que por um motivo ou outro se tornam parte da narrativa, das motivações e do futuro e passado dos personagens. É só perceber as roupas de Kid Twist: ele está sempre bem vestido e sempre faz os papeis mais intelectuais, mesmo assim é visível pela maneira que ele interage com os outros que ele não se acha melhor ou pior que ninguém ali. Ele chega com uma roupa elegante e sai com outra, mas só, no fundo é um golpista como outro qualquer.

Falhando apenas no arco narrativo que mostra o assassino no encalço de Hooker (uma surpresa idiota e dispensável), o filme cumpre o que promete de maneira capciosa, já que ele mostra que mesmo mostrando tudo nem todos podem ver o resultado final, e mesmo sabendo o que irá acontecer não podemos deixar de perceber que, afinal, eles são golpistas e mesmo nos sentindo no seu grupo, podemos muito bem ser enganados (e não me importo ser enganado mais de uma vez dessa maneira).

By Pato

Ps: Percebam que o golpe em si é um trocadilho que ocorre no ultimo segundo e que funciona melhor em inglês do que em português (se é que funciona em português).

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O Assassinato de Jesse James pelo Covarde Robert Ford - Andrew Dominik

2008-04-14T11:16:00.004-03:00

Existem duas maneiras corretas de se fazer um filme que baseado em personagens históricos controversos. A primeira é brincar com essa figura e tratá-la com humor e ironia (como por exemplo Bill e Ted fizeram), a segunda maneira é fazer uma recriação de sua vida da maneira mais acurada possível e, principalmente, sem tomar partido ou amenizar certos aspectos.

Ao tentar fazer a segunda opção que O Assassinato de Jesse James pelo Covarde Robert Ford (que a partir desse momento chamarei de O Assassinato) falha. Ele cria figuras extremamente tridimensionais e explora os medos, motivações e frustações de todos os envolvidos, incluindo Jesse James, mas o filme realmente tenta passar uma história que, apesar de poder perfeitamente ser a verdadeira, não necessariamente é.

Acompanhando a carreira de Jesse James (Brad Pitt) a partir do momento em que Robert Ford entra no seu bando, o filme foca nas relações conturbadas entre as pessoas do bando. Afinal todos eles tinham graves distúrbios sociopatas já que além de roubar não se intimidavam em matar, bater ou atacar pessoas. Contando com grandes interpretações todos os integrantes do bando de Jesse James são por si só figuras muito interessantes, mesmo que sejam, de uma maneira ou outra, assustadoras.

Robert Ford (Casey Affleck) é só um exemplo, Sam Rockwell interpreta seu irmão como um sujeito medroso e falastrão, que busca se impor apenas sobre aqueles que julga mais fracos que ele (seu irmão por exemplo), mas que, presente no assassinato de Jesse James, percebe a força do irmão e nunca mais consegue atacá-lo diretamente. A história de Dick Liddil (Paul Schneider) e seu confronto com outro membro do bando, Wood Hite (Jeremy Renner), não é só marcante como também serve de estopim para vários acontecimentos da história. Além disso os dois atores conferem uma atuação onde se percebe a crescente animosidade dos dois personagens, que só é rivalizada pela necessidade que eles tem de trabalharem juntos. Outro exemplo é a pequena mas interessante caracterização de Sam Shepard como Frank James (irmão mais velho de Jesse e também líder do bando) com pouco tempo de tela ele consegue demonstrar o apego e o desprezo pelo irmão e suas escolhas, isso sem contar a liderança de um grupo em constante mutação (tirando os 5 ou 6 fixos o grupo chegava a ter 20 pessoas todas da região do assalto).

Mas falar do Assassinato sem falar das atuações de Casey Affleck e Brad Pitt não é fazer jus ao filme. Brad Pitt está extremamente desafiador como Jesse James. Ele construiu o personagem de forma tão forte que nós entendemos o motivo pelo qual todos se comportam com extrema cautela ao lado dele (inclusive seu irmão). Na verdade o único momento no qual Brad Pitt peca é exatamente quando Jesse varia de humor. Nos momentos em que tem que se mostrar sério e desafiador ele atua de maneira impecável, mas logo no momento seguinte quando tem que rir de seu bando ele soa exagerado, como se encontrasse dificuldades para fazer essa mudança.

Casey Affleck, por outro lado, não falha jamais como Robert Ford. Começando a narrativa como uma pessoa inocente e juvenil, passamos a perceber como ele nunca se dará bem no mundo que ele quer viver (assaltando trens e bancos). Mesmo assim seu crescimento se dá de forma constante, levando-nos a perceber exatamente por que ele levará a cabo o título do filme. Perceba por exemplo a diferença de quando ele saí da casa de Jesse depois de passar um tempo com ele e como ele entra na segunda vez, mais decido e não se importando com a sua situação e o incomodo que ele causa. Alias esse é o principal ponto sobre Robert Ford retratado na atuação, sua admiração por Jesse James é tamanha que ele realmente causa incomodo a todos nós e aos personagens da narrativa.

Portanto, volto na única e maior falha do filme. Ao invés de tornar ambíguo e deixar-nos especular sobre os motivos de Robert Ford, o filme resolve tratá-lo como um herói que prestou um serviço ao seu país e nunca foi reconhecido por isso. Pode ser que isso seja verdade, mas como nunca saberemos o mais interessante seria transformá-lo em um personagem ambíguo, de moral deturpada pelo seu ídolo e pelas companhias que tinha, afinal isso não deixa de ser verdade, mas infelizmente o filme obriga você a torcer por ele e acreditar que ele não foi o covarde que atirou em Jesse James pelas costas.

By Pato

Ps: O filme é extremamente devagar, mas isso não interfere na narrativa. Por isso, julguei desnecessário discorrer sobre o assunto.

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Stardust, O Mistério da Estrela Cadente - Matthew Vaughn

2008-04-14T09:37:00.007-03:00

Tolkien é material de referencia para tudo que envolve fantasia. Pode não ter sido ele o criador do gênero (realmente não sei se é), mas o importante é que desde o Senhor dos Anéis tudo quase baseia no mundo da fantasia medieval tira claras referencias das obras de Tolkien, sejam RPGs, Quadrinhos ou Livros (e conseqüentemente filmes). Por isso, Starduts é um filme tão primoroso. Ele reconhece a fantasia como um gênero antigo, com espectadores que não precisam ser necessariamente crianças. Ele nos anima, nos atiça, coloca piadas bem adultas e uma aventura genial, isso sem jamais esquecer seu motivo principal, o romance.

Escrito por Neil Gailman (criador de, entre outras coisas, o aclamado Sandman) Stardust não esconde nem por um segundo sua natureza adulta, seja não se explicando nunca por completo (algo que seria muito difícil de ser acompanhado por crianças), seja pelo seu humor ou seja pelas insinuações. Apesar disso, o filme se mostra infantil o suficiente para que qualquer pessoa assistindo possa, com um culposo prazer, embarcar na aventura que ele se propõe. A atmosfera do filme se torna assim como um desejo secreto, algo que somente os adultos podem entender e apreciar, já que mexe com fantasias que todos temos ou tivemos quando crianças, mas tivemos que deixar para trás.

Formado por um pequeno elenco de estrelas próprias e outras em ascensão o enredo conta a história de Tristan Thorn (Charlie Cox) um rapaz que está apaixonado pela garota mais bela da cidade (não é sempre assim?) a jovem Victoria (Sienna Miller). Quando ela diz a ele que está prestes receber o pedido de casamento de um outro homem e que Tristan não tem a menor chance, uma estrela cadente cruza o céu e nosso herói diz que pela mão dela ele irá atrás da estrela. O problema é que estrela é uma mulher Yvaine (Claire Danes – Perfeita para o papel) e atrás dela estão pessoas diferentes por motivos diferentes. A bruxa Lamia (Michelle Pfeiffer) quer Yvaine para recuperar sua juventude. Os príncipes Primus (Mark Strong) e Septimus (Jason Flemyng) querem um medalhão que está sendo usado pela estrela, pois esse foi o ultimo desejo de seu falecido pai para suceder o trono.

No meio de tudo isso temos uma história de amor. Como eu disse antes ela é o motivo principal do filme e faz jus ao fato. O diretor (Matthew Vaughn) consegue mesclar todos os elementos da história (que não são poucos: humor, fantasia, suspense, para citar alguns) mas sempre faz o romance se sobressair. Isso sem torná-lo piegas ou sentimental demais. Tudo no filme ocorre com naturalidade e aos poucos sabemos que por mais que seja obvio aonde tudo irá terminar é o caminho que importa.

Nessa bagunça de histórias, os personagens entram no caminho um dos outros, e assim acabam por se enfrentarem. É nesse ponto que o diretor acerta mais ainda, criando cenas que certamente foram feitas para adultos e situações mais interessantes que são mais apreciadas pelo público (o envelhecimento de Michelle Pfeiffer é um toque especial). O diretor usa muitos efeitos para ajudar a contar sua história, mas infelizmente não acerta a mão em todos. Alguns são magníficos e outros parecem mesquinhos. Mas no final a história é contada com muitas boas interpretações e um enredo interessantíssimo, algo que é difícil de encontrar.

Contando ainda com um elenco de apoio de grande calibre ( os fantasmas estão ótimos e Robert DeNiro um pouco exagerado, mas a melhor ponta é de Rupert Everet como um dos príncipes no inicio da narrativa, pisque e irá perde-lo) Stardust é um filme imperdível. Lançado em Outubro de 2007 esse filme acabou com uma estiagem de filmes realmente bons daquele ano.

By Pato

Ps: Impressão minha ou Sienna Miller só faz papel de garota mimada? Gostava dela em Kenn Eddie mas agora ela só me enche o saco.

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Desejo e Reparação - Joe Wright

2008-04-13T23:42:00.005-03:00

Desejo e Reparação é um filme que eu só fui assistir por que fui obrigado. É sério, não sou muito fã de corrida do Oscar e fico querendo ver todos os filmes que envolvem essa premiação. Por esse motivo, sou obrigado a me redimir, e dizer que, Desejo e Reparação é um filme muito bom, parado, mas muito bom.

Vamos começar pelo parado. Esse é aquele tipo de filme que até a musica demora pra engrenar, em que as cenas demoram o tempo que for necessário para se explicarem, para tomarem a ação, e para continuar a história. Eu sei que isso afasta muita gente de um filme como esse. Afinal, acostumados com filmes de ação, terror ou suspense eletrizantes (e por que não romances e comédias também), é complicado sentarmos para sermos carregados por filmes que são, em sua maioria, versões cinematográficas de uma tartaruga (tombada). Mas, mesmo assim, se você respirar fundo, segurar uma vontade de gritar de desespero que vai lhe acometer de vez em quando, você irá embarcar em uma jornada que no final fará você se sentir muito surpreso, no bom sentido.

A história é simples, Briony Tallis (Saoirse Ronan – Que me assustou com esse papel e talvez por isso concorreu ao Oscar) é uma precoce garota de 13 anos na Inglaterra pré-Segunda Guerra. Sua irmã Cecilia Tallis (Keira Knightley) é a irmã mais velha e engajada da família (que por sinal está no meio de sua decadente descida social). Briony vê sua irmã em uma cena com o jardineiro Robbie Turner (James McAvoy) que ela não consegue entender e começa a sentir ciúmes. Mais tarde no mesmo dia ela provoca uma situação que afeta a vida de todos. O filme então foca na vida dessas pessoas durante a Segunda Guerra, e as conseqüências do ato de Briony.

É por isso que o filme se difere muito do que eu já vi. A história de pessoas que cometem erros de julgamento e acabam umas com as vidas das outras não é estranha, mas esses personagens são totalmente diferentes do que é o normal. A começar por Briony, que como eu disse era precoce, mas que mesmo assim é uma criança e vê o mundo com esses olhos. Depois Cecília, que é engajada com o mundo e não se importa com as situações financeiras da família. Ela pertence a esse meio mas não faz questão de mantê-lo. Por fim, Robbie, que vem de origem humilde, quer subir na vida mas não toma caminhos obscuros para isso, apesar de que muitos poderiam dizer que sim. Outro motivo da diferença é o segundo ato da história, durante a guerra, enquanto vemos o futuro de todos os personagens e como Briony percebe seus erros, isso tudo ocorre de uma forma triste e fluida que acaba exatamente com um corte abrupto para o terceiro ato. Nesse ponto o filme amarra tudo o que ele prometia e cria um terceiro ato que te pega toa desprevenido e não tem como não se sentir triste e enganado, criando um sentimento difícil de explicar na ultima cena.

Contando ainda com uma trilha sonora que utiliza sons do cenário (batidas, maquinas de escrever, conversas) para criar sua composição marcante esse filme deve ser visto ainda uma vez. Nem que seja para uma discussão sobre a ficção no cinema e o efeito sobre nós.

By Pato

Ps: Briony durante a Guerra é interpretada por Romola Garai, que por sinal é muto bonita, menos no filme onde a sua maquiagem a tornou extremamente estranha.

PPs: Anthony Minghella antes de falecer participou desse filme em uma ponta bem pequena e fora da tela como o entrevistador. Foi seu único trabalho como ator.

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Campo dos Sonhos - Phil Alden Robinson

2008-04-13T23:30:00.003-03:00

Se um filme cheio de cenas tristes te emociona é por que você foi tragado pela narrativa e se sente parte da história. Às vezes se identifica com o mocinho ou outro personagem que você torceu para não morrer. Pode ser que a sua vida seja daquele jeito ou talvez ela não seja, mas um dia possa chegar a ser. Ou seja, existem mil motivos para um filme carregado de tristeza te emocionar. Mas o que dizer quando um filme que somente mostra alegrias, boas escolhas, personagens marcantes, mas mesmo sabendo que você não tem a menor chance de estar na pele deles, te emociona? Bom, se você viu Campo dos Sonhos você sabe o que eu quero dizer com isso, se não, assista e descubra.

Campo dos Sonhos é um filme de fantasia, mas ao contrario de filmes comuns com essa temática, ele não se passa em um mundo diferente do nosso, em um passado distante ou em um futuro misterioso. Esse filme se passa em torno de um homem comum que se envolve em sua própria loucura. Uma loucura essa que move todos de uma maneira que nenhum personagem sai sem se sentir tocado. Nesse momento entra Ray Kinsella (Kevin Costner), ele cria um personagem que, obcecado pelas vozes que ouve em seu milharal (um sinal que pode ser considerado como loucura) vai atrás de respostas, pessoas, atos e até de sua família e glória. Ray é extremamente inteligente e sabe como seguir as parcas indicações que recebe ao longo da jornada, mas isso sem se tornar ridículo por ser exagerado em suas andanças e motivações.

No meio da trama Ray procura um escritor, Terry Mann (James Earl Jones) para ajudá-lo a entender o que ocorre. O mais mágico é como James Earl Jones cria um personagem cético no começo que aos poucos vai se envolvendo com a narrativa, em uma atuação gigante que consegue chamar toda atenção sem roubá-la dos outros personagens. Mas isso é pouco, o elenco é totalmente composto por personagens coadjuvantes que acreditando ou não na loucura de Ray, acabam se comovendo e se tornando parte desse universo mágico e fantasioso. Seja a mulher de Ray, Annie (Amy Madigan) ou o herói de Ray e de seu pai, Shoeless Joe Jackson (Ray Liotta). Por falar no Ray Liotta, tenho que admitir, sua composição para o personagem está um pouco seca e dura, mas quando você conhece sua história percebe que é indispensável que o personagem seja assim. Sua caracterização com o tempo ganha espaço na tela e o personagem cresce de forma absurda.

Mas como eu mencionei o pai de Ray, tenho que admitir: esse é um filme sobre como se reatar com a família, como o sonho de um homem pode mudar a vida de todos, seja esse sonho uma loucura ou não. Eu sei que isso soa clichê, mas é nesse ponto que o filme muda de figura, dentro desse clichê todo, de repente, o filme dá uma volta e te pega desprevenido, deixando-o totalmente sem chão e sem sabe como reagir. Mas afinal, é isso que constrói a narrativa do filme, seja piegas ou seja emocional, não importa. O que importa é que é um filme bem feito, bem atuado e muito bem produzido, que sabe exatamente quando e onde você estará mais vulnerável, e ai você está nas mãos dele.

By Pato.

Ps: E pensar que James Earl Jones é capaz de fazer um velhinho simpático e muito antes o próprio Darth Vader. Impressionante né? Mais impressionante é só o fato de que depois de fazer esse filme, Dança com Lobos e os Intocáveis Kevin Costner conseguiu fazer Waterworld. Mas eu não uso isso contra ele. Nunca.

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PROJETO GRINDHOUSE - Planeta Terror - Robert Rodrigues

2008-03-25T18:51:00.006-03:00

Quem, sinceramente, acredita que quando você faz uma coisa por que gosta, e não por que foi obrigado, ela sai muito boa, não só para você, mas para as pessoas que apreciam aquilo que você faz? É assim que posso descrever o projeto Grindhouse, uma parceira entre Robert Rodrigues e Quentin Tarantino que produziu dois filmes (do qual irei falar apenas de um nesse momento), e que ambos os filmes, até o momento foram muito bem comentados por todos aqueles que gostam de cinema e sabendo que eles fizeram o projeto simplesmente por gostar de cinema, acabaram por comprovar o que eu disse logo acima. Em tempo, devo admitir que somente vi o filme Planeta Terror, (o filme de Robert Rodrigues) então irei nessa primeira parte apenas falar sobre ele. Assim que assistir o segundo (Prova de Morte) irei comentá-lo também.

Antes de começar a resenha, devo explicar um pouco sobre o Projeto Grindhouse e sua origem. Grindhouse é o nome dado a salas de cinema nos Estados Unidos que passam filmes de terror B (trash). Normalmente com sessão dupla e muito famosas nos anos 70 e 80, essas salas fizeram muito sucesso com sessões de filmes que eram repetidos a exaustão. Quando se reuniram, Quentin Tarantino e Robert Rodrigues decidiram fazer uma homenagem a esses filmes, criando um filme cada um, explorando o máximo do trash. Esses filmes seguiriam o estilo Grindhouse no máximo, com a imagem gasta e até pedaços dos filmes faltando (afinal eles eram passados a exaustão, filmes com até dez ou mais anos) e incluindo entre uma sessão e outra trailers falsos feitos por diretores convidados. Robert Rodrigues fez Planeta Terror, uma homenagem aos filmes de zumbis, Quentin Tarantino fez Prova de Morte, uma homenagem aos Road Movies de terror.

Planeta Terror é um filme complicado de se assistir. Ou você está preparado para a homenagem que ele pretende fazer, ou você achará um filme nojento e ridículo demais. Eu admito que ele é bem nojento, com pus, sangue, zumbis canibais, membros despedaçados, gosmas e tudo mais, mas ridículo ele não é e tem um bom motivo, afinal, não é só por que ele é uma homenagem que ele tem que ser relaxado e descuidado. Todos os efeitos são bem trabalhados, sejam os de saturação e desgaste da imagem, seja dos zumbis ou seja até o som e a trilha (que utiliza até elementos de A Coisa e Fuga de Nova Iorque, ambos clássicos do terror de John Carpenter, o rei desse tipo de filme). A direção é impecável para o que ela se propõe, com os mesmos estilos de montagem e edição (que também é feita por Robert Rodrigues como em todos os seus filmes) que imitam os filmes da época até o uso das cores e o enquadramento dos personagens.

Agora, sem sombra de dúvida o melhor de Planeta Terror são as atuações. O filme é um composto por um roteiro sem nexo de uma idéia bem batida, suas falas são, quando muito, piegas e clichês. Ele pede e implora para não ser levado a sério, então na mais justo que ninguém leve a sério mesmo. Exatamente o que os atores fazem. Todos eles, sem exceção interpretam seus personagens de maneira cômica e caricata. Isso sem criar estereótipos ou fazer atuações exageradas. Josh Brolin, por exemplo, interpreta Block, um médico que faz o turno da meia noite do plantão e odeia quando tem muitos corpos pra cuidar. Ele fica o tempo todo medindo sua própria pressão e com um termômetro na boca pra saber quando está estressado. Michael Biehn (Kyle, o cara que vem salvar Sarah Connor em o Exterminador do Futuro – achei muito bom ver ele nesse filme) interpreta o Xerife, que quer ajudar a todos, cuidar da cidade e salvar o dia, mas ao mesmo tempo fica aporrinhando e ferrando o irmão (Jeff Fahey) para roubar uma receita premiada. Freddy Rodríguez como o famoso estranho que é ótimo lutando e que tem um passado misterioso (uma das melhores idéias do filme é em torno da revelação desse passado).

Todos esses atores (sem exceão) criam uma história, algo que nos ajuda a entender os personagens, mas tenho que fazer duas menções especiais, uma a Naveen Andrews (Lost) que interpreta o Doutor Abby e outra a Rose McGowan que interpreta Cherry, a protagonista. Ele é um cientista que cria uma arma química poderosa que causa todo o estrago do filme, e apesar de seu forte sotaque, ele nunca se mostra ou diz do Oriente Médio, ele é um americano qualquer, mesmo com sotaque, o que quebra o estereotipo de terrorista e cria um conceito ambíguo para o seu propósito. Cherry por outro lado é uma dançarina exótica (erótica) que pede demissão para se tornar comediante. O mais engraçado é que no começo achamos que é uma piada, já que ela diz que ela vai fazer isso pois todos dizem que ela é hilária, só que todos dizem isso somente quando ela fala sério, o que faz da idéia de ser comediante a piada em si. No filme inteiro percebemos o desenvolvimento e a mudança do personagem, não só nela como em todos os outros, e o incrível é que isso acontece pelas interpretações, já que o roteiro é uma seqüência de clichês e frases ridículas, tanto que chegam ser hilárias. Na verdade só realmente percebemos isso com dois personagens mais drasticamente, o de Bruce Willis como oficial do exercito (ele realmente não estava inspirado) e o de Fergie como a primeira vitima (o que realmente me deixou feliz, pois eu odeio muito ela).

Portanto, deixo bem claro agora, se você entrar no espírito do filme é uma viagem sem volta, talvez sua mãe não goste dele ou aquele seu vizinho sensível, mas a verdade é que ele é apenas uma alegoria, uma homenagem, um recado a todos aqueles milhares de filmes comerciais que estão por ai (cof cof Transformers cof cof) e o recado é: Eu faço filmes por que gosto, bons ou ruins eu gosto deles e tenho meu público. E quero ver o seu marketing massivo ganhar da minha propaganda boca a boca.

By pato

Ps: Não assistam esse filme nem pouco antes ou pouco depois de alguma refeição. Se até a cena com o Quentin Trantino você não tiver passado mal, nessa você vai passar.

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Monty Python em Busca do Cálice Sagrado - Terry Gilliam and Terry Jones

2008-03-17T13:05:00.007-03:00

Existem clássicos e cults, e existem Cults Clássicos. Um site de filme que tem como premissa mostrar o que os editores em suas humildes opiniões acreditam ser os melhores (ou às vezes piores) filmes que eles já viram na vida não pode deixar de falar de Monty Python, seja pra falar bem ou mal; e vou ter que dizer agora, eu só vou falar bem.

O filme é demais, tem um humor tão absurdo e grotesco que muitas vezes você ainda está coçando a cabeça por causa de uma piada quando outra já tem atinge como um raio. Algumas piadas são sutis e outras são bem escancaradas, umas apelam para o Non-sense (marca registrada do grupo) outras apelam para sátiras a todas as áreas envolvidas na história.

Para entender que áreas são essas deixe explicar a história. Rei Arthur “cavalga” com seu fiel escudeiro pelas florestas inglesas a procura de homens para integrarem seu grupo. Depois de reunir os cavaleiros da Távola Redonda eles vão para o castelo do Rei (em uma demonstração de que a corte do Rei não era bem o que parecia e nem os cavaleiros) mas lá Deus aparece e diz que eles tem que procurar o Cálice Sagrado e trazer para os Ingleses.

Daí as sátiras vão desde humor contra a Igreja, as religiões, os Franceses (eternos inimigos dos Ingleses), a Idade Média e até a Policia Britânica. Devemos salientar também que as sátiras não necessariamente fazem sentido, como por exemplo o Casal no começo do filme que não reconhece o Rei Arthur como seu rei já que eles não votaram nele, e quando ele diz que não se votam em reis e que ele foi escolhido como Rei quando uma Dama saiu do lago e entregou a espada a ele, a senhora o interrompe e diz que mulheres que saem de lagos distribuindo espadas não são base para um governo você fica louco com a retórica da camponesa.

Não pense que o filme é só sátira também, eles sabem ser bem bobos como a parte da ponte ou bem loucos como a parte da bruxa ou a parte do Cavaleiro Negro. Nesse momento eu tenho que me desculpar por não contar mais, mas cada piada é única e admito que ela ficam bem melhores quando contadas por eles, por isso digo que paro de falar das piadas e peço que confie na minha palavra, são muito boas.

Com um elenco formado por todos os integrantes do programa de TV (Graham Chapman, John Cleese, Eric Idle, Terry Gilliam, Terry Jones e Michael Palin, que viriam a fazer outros filmes também) o filme permanece original, engraçado e inteligente mesmo com quase 35 anos de existência.

Resumo: Assistam, confiem em mim, ou pelo menos vejam o filme para poder dizer "não gosto".

By Pato

PS: Alguém sabe o que é Schauberry?

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Brilho eterno de uma mente sem lembranças - Michel Gondry

2008-03-11T17:52:00.004-03:00

Ao longo da história do cinema muitas histórias de amor foram contadas das mais diversas formas. Com dramas e comédias, tragédias e casos do cotidiano. Mas não são numerosos os filmes de amor. Veja a diferença entre contar uma história de amor e retratar o amor nas suas diferentes formas e estágios. Brilho eterno é um filme de amor.

Mais uma vez o brilhante Charlie Kaufman constrói maravilhosamente uma história totalmente inusitada e inesperada, cheia de emoção, profundidade e distorcida realidade. O autor de "Quero ser John Malkovich" e "Adaptação" acerta na mão e conta a história de Joel Barish (Jim Carey), um homem desajustado e tímido que descobre que a ex-namorada, Clementine Kruczynski (Kate Winslet) fez um procedimento que apagou todas as memórias que ela tinha de Joel. Inconformado, ele decide apagar Clementine também, mas acaba se arrependendo no meio do procedimento e foge deseperadamente numa viagem dentro de sua própria mente para tentar salvar Clementine do esquecimento.

Por mais doloroso que seja terminar um relacionamento, muitas vezes simplesmente não conseguimos nos desfazer das coisas boas que sentimos ao lado daquela pessoa. São sentimentos que nos fizeram sentir completos naquele momento e é isso que Joel tentar guardar. Ele amou Clementine e isso está salvo em sua memória. Tempo nenhum pode mudar o fato de que ele se sentiu daquela forma e ainda sente, por mais que ele tente dizer o contrário.

O amor pode doer e Jim Carey toma o papel com tanta intensidade que nos faz esquecer de filmes como o Maskara e Ace Ventura, nos permitindo viver as dores e prazeres de Joel e seu amor. Ela já havia dado provas de que podia fazer dramas tão bem quanto fazia comédias físicas em "O show de Truman" e "Cine Majestic". Nesse filme vemos um Jim muito expressivo sem fazer caretas. Sua atuação é tocante e certamente trará algumas lágrimas aos olhos dos mais duros. Kate Winslet também desempenha seu papel com competência e nos permite amá-la e odiá-la como Joel faz. Ela sempre é ótima, então não vou me estender nos comentários. O filme conta também com ilustres coadjuvantes como Eliah "Frodo" Woods, um desengonçado Mark Ruffalo e até Kirsten "Mary Jane" Dunst numa suas melhores performances.

Com baixo orçamento, os atores se dispuseram trabalhar praticamente de graça para Michel Gondry, famoso diretor de clipes (vários da Bjork) que depois nos traria o bom "Science of Sleep" e o inédito "Be kind rewind". Gondry evita a computação grafica e prefere trabalhar com cenários complexos, o que facilita o trabalho do ator em um filme surreal como esse. A temática dos jogos da mente e da psicologia, marcante em Brilho eterno, se tornaram frequentes nos trabalhos do diretor.

Por mais maluca que a idéia pareça, assim como fez em "Quero ser John Malkovich", Kaufman torna plausível uma clínica que apaga memórias e diálogos absurdos se encaixam perfeitamente.

Um filme excelente para ser visto mais de uma vez, mesmo que algumas vezes tenhamos que ver sozinhos.

O espírito de todo o filme está na imagem de Joel deitado sobre o gelo com Clementine, a câmera se afasta e vemos um enorme trincado sobre o branco mostrando que às vezes o momento imperfeito, o relacionamento imperfeito, é aquilo que você precisa, que te faz feliz. Isso fica claro quando Joel diz "Eu poderia morrer agora, Clem. Eu estou simplesmente... feliz. Eu nunca senti isso antes. Eu estou exatamente onde eu quero estar".

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Assassinato por Encomenda - Michael Ritchie

2008-03-11T15:27:00.006-03:00

Dentre os melhores filmes que ninguém viu existe uma sub-categoria que foi criada a partir do fato de que dois estilos de filmes não são levados a sério com o tempo. São dois estilos de filmes que praticamente nunca viram cults e são esquecidos pelos cinéfilos, somente com raras exceções entre seus títulos. Esses estilos são as comédias e os filmes de ação. A maioria dos romances, suspenses e dramas sobrevivem eras e eras, sendo reconhecidos como sinônimos de grandiosidade, O Poderoso Chefão, 2001, O Silencio dos Inocentes etc. Mas, pergunte por comédias e você ficará sempre com as mesmas respostas, “Quanto mais quente melhor” ou “Harry e Sally”. Se as respostas mudam, são tão dispares que não conseguiriam fazer uma pesquisa sobre isso. Os outros estilos não, as respostas obedecem padrões bem definidos e todos sabem o que significa um grande filme.
Nesse conceito, um grande filme que ninguém viu pode também ser um grande filme que é desconhecido por nossa geração, Assassinato por encomenda.

Vamos começar falando do Chevy Chase, o protagonista Fletch, ele era um grande comediante como só a década de 80 produziu. Rápido e sempre com grande carisma ele é capaz de disparar diversas piadas por segundo, sem perder o pique e o timing da comédia (algo fundamental para esse gênero). Chevy Chase ainda é um exemplo de comediante nascido de skets e criado pelo programa Saturday Night Live, o que normalmente significa que o ator está bem acompanhado nos filmes. Esse não é o caso com ele, ele segura o filme sozinho, e se tem bons coadjuvantes eles somente enriquecem a história ao invés de deixá-lo apagado.

O filme então mostra seu outro lado, como a concorrente ao Oscar Ellen Page estava amparada por um roteiro ágil de grandes frases de efeito, Chevy Chase está acompanhado por diversas frases que todos adoraríamos usar no dia-a-dia. É claro que nunca estaremos nas mesmas situações que ele, mas só de imaginar você dizendo para um policial, “O meu nome é Fletch, Fletcher F. Fletch” ou enquanto tenta parar um carro roubado de um adolescente, ele pergunta se Fletch é um tira ele responde “Sim, mas eu nem sei se roubar um carro é um crime ainda. As leis mudaram muito”. São frases rápidas que pegam todos os interlocutores desprevenidos e causam todo o tipo de reação. O filme se baseia nessas frases e isso o torna ótimo.

Então temos os disfarces. Além do humor e das tiradas o personagem, Fletch, que é um jornalista, vive se disfarçando para descobrir um furo de reportagem, só que os disfarces por mais elaborados que sejam, são muito cômicos. Temos um fiscal que teve o nariz quebrado, um hippie que anda de patins na praia, médicos e pacientes, tudo do jeito mais engraçado possível. Além disso, Fletch nunca parece ter noção de como é ficar disfarçado e sempre se atrapalha ao conversar ou até se apresentar para as pessoas (como na vez que, vestido como médico, ele diz três nomes diferentes e sempre tentando parecer Judeu).

Por fim, o filme apresenta dois arcos de história, ambos são importante o suficiente para mantê-los na narrativa mas nunca para sobrepor um ao outro ou ao personagem, que é o que carrega a história. Ambos esses arcos também são bem estruturados, e até certo ponto eles se cruzam para gerar mais suspense. Por fim, Fletch é um filme que você vê e revê dezenas de vezes e cada vez percebe que o personagem é uma criação quase perfeita, e que só não é perfeita pois não poderia existir.

By Pato

Ps: Minha cena favorita no filme é quando Fletch tem que investigar um médico e para isso pede um check up falso, ganhando então um inesperado exame de próstata. Sua reação é hilária. (quer ver? Entre aqui, ou melhor ainda, aqui se você realmente quiser spoilers)

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Mandando bala - Michael Davis

2008-03-05T16:14:00.006-03:00

Tex Avery. Se esse é um nome que se não significa nada para você, coloque-o no Google agora e volte daqui a pouco. Eu espero.

...

Pronto? Ótimo, esse desenhista de mão cheia criou várias seqüências que de tão boas foram copiadas a exaustão por todos os desenhos animados. A mais celebre realização dele foi a malandragem do Pernalonga e todas aquelas perseguições malucas de todos os personagens da Warner.

Mas o que isso tem a ver com Mandando Bala? Tudo! Esse filme é exatamente uma grande e real homenagem ao mundo da Warner (que acredito ser intencional) e de seus desenhos. Isso faz com que o filme não possa ser levado a sério nem por um segundo, e ele deixa isso bem claro logo na primeira cena quando a cara de mau de Clive Owen é subitamente quebrada por uma grande mordida que ele dá em uma cenoura (para a referência ser mais clara só comendo em mordidas rápidas e pequenas que nem o Pernalonga). Daí em diante o filme escancara em duas vertentes, o humor e a violência e para quem acha que isso não combina é só lembrar que além do Pernalonga muitos desenhos da década de 60 usavam a violência de seus personagens como forma de humor (Tom & Jerry, Pica Pau etc.). Admito que o humor e a violência em pessoas pode ser um pouco demais para alguns, mas se você não se importar com o sangue (que vai ser muito) você pode se divertir bastante.

As atuações se dividem em duas partes: as canastronas e as “eu estou me divertindo muito”. Entre as canastronas estão as de Mônica Belucci como uma prostituta e a de Stephen McHattie como o chefão de uma empresa de armas, ambos os atores não entenderam o espírito do filme e ficaram achando que dali ia sair uma mensagem de paz e esperança ao mundo. Agora, os que estavam se divertindo a beça, com certeza, eram Paul Giamatti e Clive Owen. Este último, com aquele jeito sério de quem não está pra brincadeiras, deixou de lado o pudor e fingiu que seu personagem podia de alguma forma ser real. Isso sem esquecer de que não era e nem tinha como ser real uma figura como aquela. O resultado é um cara que se irrita com as pessoas e as coisas que elas fazem, mas sempre arranja um jeito de de puni-las da pior forma possível. Ele faz isso muito bem, sempre começando com a frase “Sabe o que eu odeio?” e terminando causando muita destruição. Paul Giamatti por outro lado está perfeito como um vilão pequeno que tem tendências megalomaníacas e que mata e destrói pela diversão de destruir. Por isso, que essa dupla de antagonistas se tornam o Pernalonga e o Hortelino Troca-Letras reais, que ficam correndo um atrás do outro em situações exageradas e mantem todo o ritmo do filme.

Com cenas marcantes e divertidíssimas (o final da perseguição de pára-quedas é hilário) o filme se sustenta bem, mas erra e quebra totalmente o clima ao mostrar uma política anti-armas e dispará-las como louco em todas as cenas.

Vai entender o que se passa na cabeça do diretor.

By Pato

PS: A cenoura possui mil e uma utilidades, mas com certeza a melhor delas é o bem pra vista que ela faz, pois o Sr. Smith sempre acerta os vilões e ninguém nunca acerta ele, só quando o roteiro pede. Alguém consegue dizer: Hollywood?!

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Meu nome não é Johnny - Mauro Lima

2008-03-05T12:42:00.012-03:00

“Meu nome não é Johnny, meu nome é João. Não sou bandido, não sou nenhum Pablo Escobar, não tenho quadrilha, não tenho fortaleza, não tenho dinheiro na Suíça. Se eu fosse tão poderoso assim, minha família não ia estar vendendo o único imóvel para pagar a minha defesa. Eu usava droga, vendia, ia usando, ia vendendo...”
Assim João Guilherme assume que era dono dos 5,7Kg de cocaína que foram encontrados no apartamento no momento de sua prisão e tenta derrubar o argumento da promotoria de formação de quadrilha.
Eu estraguei seu filme contando isso? Não. O mais fantástico na história de João Estrella não é de onde ele saiu e onde foi parar, mas a forma fantástica que tudo aconteceu. O final do trás quase um road movie, mas a viagem fica mesmo na cabeça do personagem.
João Gulherme é filho único de um casal de classe média da zona sul do Rio de Janeiro. Era adolescente nos anos 70 quanto sua mãe saiu de casa e ele continuou morando com o pai. Sua vida se tornou uma festa eterna, cheia de bebidas, drogas e música alta. Comprando drogas para abastecer uma dessas festas e sem dinheiro pra pagar, João decide que o melhor a se fazer é vender o produto. Todo mundo sabe o que acontece com quem não paga. E nesse momento seu traficante, o Tainha, pergunta quanto ele vai querer na próxima e o comunica que ele agora está do outro lado do balcão. Começa sua carreira estelar de traficante, que vai abastecer as mais seletas rodas do Rio de janeiro no começo dos anos 90.

Antes de tudo, João era um usuário. E antes de ser um usuário, João era um menino. Um menino que já tinha 29 anos quando começou a vender drogas. Já deveria saber o que era certo e errado, mas mesmo anos depois, já preso, ainda não sabia.
Meu nome não é Johnny é um filme divertido. É reflexivo, mas é divertido. Selton Mello esbanja talento e nos tras esse João carismático, engraçado e energético. Ele nos leva de um jovem João bastante vazio para um homem ciente de tudo que perdeu e ganhou em sua jornada. Vai transformando João em um ser complexo e, acima de tudo, humano. João não é um herói, mas também não pe um bandido.
Cassia Kiss está ótima como a juiza do caso e sua participação levanta o nível das atuações, que são meio fraquinhas na maioria do tempo, principalmente na adolescência de João. Sorte que passa rápido. Mesmo a cara enjoada de Cleo Pires fica aceitável na tela, mas isso não nos faz gostar mais dela.
Um destaque para as cenas na cadeia com um ótimo Luiz Miranda enfrentando os africanos e João como intérprete. Impagável. Também a muito comentadas as cenas em Veneza. É um humor diferente daquele que se vê normalmente num filme nacional. É um humor triste, real, de quem ri porque não quer chorar.
O filme termina de forma emocionante, com Selton Melo admirando o mar por horas e nos passando a já batida mensagem de que devemos valorizar as coisas simples enquanto as temos e que ser traficante de drogas não vale a pena. A mensagem é essa, mas contemplar toda a complexidade do momento foi algo muito difícil e o diretor Mauro Lima fez de uma forma muito real e bonita.

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Onde os fracos não têm vez - Ethan Coen & Joel Coen

2008-03-05T12:29:00.006-03:00

Na primeira cena em que vemos Javier Bardem interpretando Anton Chigurh o vemos como um sujeito calmo e centrado, com um cabelo esquisito e que só sabemos que é assassino pois somos bombardeados com informações sobre o filme em todos os lugares (principalmente os oscarizados). Portanto, ficamos realmente assustados quando a feição dele muda completamente 5 minutos depois e percebemos toda a loucura no olhar daquele homem que vai passar todo o resto da narrativa mostrando por que ele é o homem mais temido daqueles que o conhecem.

Onde os fracos não têm vez é um filme extremamente pesado, e digo isso pois não há uma pessoa que saia do cinema sem pensar no que nos tornamos como sociedade. Pense só: o único ato de bondade praticado por Llewelyn Moss (Josh Brolin) é exatamente o que o leva, e a todos os outros, a atos de violência e desonestidade contínuos, sendo que a única exceção é o xerife Ed Tom Bell (Tommy Lee Jones), o personagem mais velho e com uma percepção de que o mundo mudou ao redor dele - mas que não necessariamente ele terá que mudar por conta disso. Por essa razão o título original em inglês, e da tradução literal do livro em português, é a mais honesta, Onde os velhos não têm vez, já que como o mundo mudou e Ed, por ser velho e ter valores mais antigos, é o único que nunca conseguirá o que quer e sempre ficará a mercê dos homens sem escrúpulos com quem tem que lidar diariamente.

Isso torna tudo mais interessante, pois como poderá um homem, com todos os seus valores bem firmados e com escrúpulos, lidar com um homem sem escrúpulos e que tem como valores aquilo que o torna mais mortal: a sua própria sobrevivência e o seu trabalho como assassino. Isso fica bem claro quando um personagem diz ao outro que Anton nunca poderá ser detido, já que ele segue seus valores a risca e nunca deixa um caso pendente ou uma ponta solta. Além disso, Anton é uma pessoa descontrolada que mata ou deixa viver pelo simples prazer de poder fazer isso com as pessoas. Assim, quando ele é confrontado por alguém que não vai seguir as suas regras e nem se submeter aos valores, ele sai de cena transtornado e Javier mostra isso muito bem.

Com uma fotografia que mostra a secura da vida comparando-a com o deserto americano, o filme é excelente em todos os aspectos e com certeza vai deixar marcas na maneira de pensar de todos, mesmo que no final fique aquele gosto amargo na boca.

By Pato

PS: o Monologo final de Tommy Lee Jones é perfeito e o corte seco do fim do filme deixa tudo mais preparado para que seu cérebro possa se acostumar com a idéia de voltar a realidade e pensar sobre o filme.

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Cloverfiled - Matt Reeves

2008-03-05T11:01:00.004-03:00

Até pouco tempo atrás, você podia achar na Internet, e acho que pode até hoje, filmes de montanha russa em primeira pessoa, acho que no Youtube deve ter até hoje e alguns simuladores de parques foram criados com essa idéia. Era um conceito interessante, conheça uma montanha russa que você teria muita dificuldade de visitar sem sair de casa ou de sua cidade. O problema é que na verdade era muito sem emoção, não tinha graça nenhuma e ninguém queria não sentir a emoção de andar na montanha russa.

Um pouco antes, o cinema tinha nos apresentado um filme que, devido a um Marketing de Guerrilha e propaganda boca-a-boca, ficou muito famoso: a Bruxa de Blair. Usando também o conceito em primeira pessoa o filme apresentava a história de três pessoas que se perdiam em uma floresta e tinham aparecido mortas um tempo depois. Usando uma câmera de mão, esses três jovens se alternavam na apresentação de sua “jornada”.

Nisso chegamos a Cloverfiled, um filme que apresenta o mesmo conceito citado acima mas com uma diferença: se você estiver assistindo em uma sala de cinema (por enquanto é a única opção), você terá toda a emoção que um filme de montanha russa deveria ter e muito mais ação, suspense e, principalmente, uma trama muito melhor que a Bruxa de Blair.

O filme começa com um grupo de amigos se reunindo em um apartamento em NY para celebrar a despedida de um deles que vai para o Japão. O mais interessante é que a câmera digital usada no filme é tratada como uma câmera mesmo. Então, às vezes, os personagens param de gravar por um motivo e quando voltam eles não voltam no mesmo ponto da fita e estão pouco pra frente de onde tinham parado a gravação, nesse ponto o filme mostra outra gravação que existia antes na fita, o que revela imagens antigas que aprofundam certos relacionamentos. A festa também serve para apresentar os personagens, e para apresentar o espectador ao “cameraman” que ficará escondido atrás da câmera boa parte do filme.

Uma das coisas que mais me irritou em A Bruxa de Blair era o fato de que o filme não tinha ação e a câmera tremia demais, causando um grave desconforto. Quando a ação começa em Cloverfield ela não para mais e em uma sala de cinema você se sente imerso nela. Tudo é bem feito e coreografado, os tiros as corridas, o monstro, as destruições, tudo é bem amarrado e faz você prezar pela vida dos personagens. Só que tudo isso acontece com uma imagem muito mais fluida e nítida que a de aBdB, acredito que isso se deva ao fato do filme se passar a noite (o que ganha pontos no suspense também). Mas, por fim, ele causa muito menos desconforto do que eu esperava.

Mostrando apenas pedaços de informação sobre o monstro e mostrando ele aos poucos, nós sabemos aquilo que os personagens sabem, e com isso nunca sabemos o que esperar. É claro que é Hollywood e sabemos que sempre podemos contar com sustos e suspense, mas a escassez de informação é vital para que, como os personagens, nos sintamos oprimidos e sem saber para onde fugir.

Com poucas mortes e com muitas delas fora da câmera (afinal quem gostaria de ficar olhando para as mortes enquanto filma) o filme ainda consegue ser muito original até na hora de deixar o monstro saciar a sua fome e apresenta alguns momentos muito inspirados de erradicação da raça humana (um jeito politicamente correto de dizer mortes, mortes e mais mortes), o que faz com que você diga “Nossa!” muitas e muitas vezes (sendo que eu, como muitas pessoas, usei muito mais palavras de baixo calão ao invés de Nossa!).

Sendo incrivelmente divertido, misterioso (como não poderia deixar de ser já que o produtor do Lost é produtor do filme) e cheio de boas atuações de atores desconhecidos, Cloverfield é uma ótima opção tanto para quem gosta de filmes como para quem só quer se distrair.

By Pato

Ps: Quem consegue perceber o que acontece com uma certa personagem quando ela morre atrás de uma tela de plástico? Uma dica, momentos antes o filme mostra a resposta.

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Mais estranho que a ficção - Marc Forster

2008-03-05T10:14:00.013-03:00

“Mal sabia ele que esse simples ato aparentemente inócuo iria resultar na sua morte eminente”. Pergunta: Hoje em dia, quem escreve desse jeito? Escritores literários com certeza, mas, mesmo assim, não todos. E roteiristas? Como será que um roteiro de um grande e tematicamente interessante filme chega às mãos dos autores? Será que possui frases assim? Na Internet hoje se acha de tudo, inclusive roteiros, então minhas perguntas podem ser facilmente respondidas, mas nem faço questão disso, não quero saber como o roteiro estava escrito, isso não me interessa, me interessa o resultado final, e é isso que interessa à grande maioria das pessoas.

Charles Kaufman escreveu um roteiro que gerou o ótimo, mesmo que incompreendido, “Adaptação”. Nesse filme ele mostra o processo de criação de um roteiro adaptado de um livro inadaptável e mostra o quanto é difícil trazer boas falas, bom conceitos e boas cenas. Charles Kaufman é um brilhante roteirista e suas falas são incrivelmente escritas, mas todas as comparações que se fazem dele e de Zach Helm, o autor desse roteiro, são injustas e o motivo é simples. Imagine você escrevendo um roteiro que diz que no filme haverá um livro que terá a melhor história dos últimos tempos. Imagine que você tem duas opções, ou você não mostra o livro e seus textos e deixa as pessoas imaginarem sobre o que ele fala, ou você REALMENTE ESCREVE UM LIVRO INCRÍVEL NO MEIO DA SUA NARRATIVA. Nesse filme nós encontramos a segunda opção. É incrível o quanto a obra que é narrada sobre a vida de Harold Crick (Will Farrell) pela autora Kay Eiffel (Emma Thompson) é inteligente e interessante. Ela é constantemente estimulante. Harold Crick é um sujeito que teria tudo para ser o mais insuportável dos personagens, ele é dono de uma vida enfadonha e sem graça, mas a partir do momento que o livro conheça a ser narrado percebemos que mesmo a sua rotina é interessante e o livro a faz ser assim. Ela esmiúça o personagem de uma forma tão cativante que percebemos que qualquer mudança que ocorra com ele será forte e a forma a qual a escritora coloca essas mudanças no caminho tornam a vida de Harold Nelson mais interessante.

Só que o filme não é sobre o livro, é sobre uma vida, a vida de um homem que começa a ter todos os seus passos, todas as suas ações cotidianas, tudo o que faz, narrado e influenciado pela narração. Começamos a perceber como aquela situação é confusa e Will Farrel trabalha maravilhosamente bem isso. Quando, em um determinado momento o narrador diz que Harold Crick vai morrer, percebemos que o mundo desmorona embaixo dele, nos sentimos na pele dele, percebemos que a pior coisa é saber que algo muito ruim está para acontecer e não poder mudar isso. Nesse ponto já estamos totalmente complacentes com as decisões futuras de Harold, tudo o que ele decidir será natural devido a sua condição que é não é nada normal e, considerando o fato que isso ocorre logo nos primeiros 20 minutos da projeção, podemos perceber o quanto é espetacular e envolvente o roteiro.

Depois disso todas as pessoas que se dispõe a ajudá-lo acabam se incorporando e mesclando com a narrativa e sua vida, a busca pela ajuda dessas pessoas se torna fluida e óbvia, o tipo de coisa que por mais absurda que seja, uma situação adversa como a dele pede. E o fato das pessoas ajudarem a um sujeito que tem uma condição que não é fácil de se entender ou acreditar só se torna crível pelas magníficas atuações de Dustin Hoffman ou de Emma Thompson.

Por fim, mas não menos importante o roteiro nos apresenta um romance na vida do personagem, e ele até brinca com a possibilidade de Harold e Ana Pascal

(Maggie Gyllenhaal) se odiarem, mas o roteirista descarta essa possibilidade logo de cara, tanto pelo jeito de Harold Crick quanto pelo fato de que ele não quer ficar sozinho no final de sua vida.

Mais estranho que a ficção é um filme magnífico, e tem um final que pode tanto ser adorado quanto odiado, fica a critério do espectador. Tanto é verdade que me eximo de comentá-lo aqui. Mas se alguém quiser comentar, fique a vontade.

By Pato

PS: Sempre, sempre rio muito na parte em que Harold virá para Ana e diz “I brought you flours” (Eu trouxe farinhas) já que “Flours” (farinhas) tem o mesmo som em inglês de “Flowers” (Flores), fazendo com que esse se torne o melhor exemplo de trocadilho em inglês que eu já vi na vida.

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A Ultima Cartada - Joe Carnahan

2008-02-29T16:19:00.010-03:00

Muito se fala da violência no cinema, dos filmes de Tarantino, Eli Roth e milhões de novatos que querem copiar aqueles que já estão no topo. A verdade é que violência se torna banal a partir do momento que todos somos violentos. Quando alguém fala que a violência do cinema é exagerada eu sempre me lembro de uma fala do filme Adaptação, quando Charlie Kaufman vai à um seminário para produzir roteiros e pergunta ao palestrante o que ele acha de um roteiro em que praticamente nada de interessante acontece, mais ou menos como a vida, e o palestrante responde: “Nothing happens in the world? Are you out of your fucking mind? People are murdered every day. There's genocide, war, corruption. Every fucking day, somewhere in the world, somebody sacrifices his life to save someone else. Every fucking day, someone, somewhere makes a conscious decision to destroy someone else. People find love, people lose it. For Christ's sake, a child watches her mother beaten to death on the steps of a church. Someone goes hungry. Somebody else betrays his best friend for a woman. If you can't find that stuff in life, then you, my friend, don't know crap about life. And why the FUCK are you wasting my two precious hours with your movie? I don't have any use for it. I don't have any bloody use for it.”. Tenho certeza que qualquer que fosse a intenção de Charlie Kaufman nesse momento do filme a intenção não era mostrar por que a violência é banalizada no cinema, mas sim o que o mundo escolhe banalizar e como (um dia escreverei sobre esse filme). Honestamente preciso concordar em certos pontos, não temos para onde olhar sem sermos confrontados periodicamente com violência, seja no trabalho, na janela do ônibus, em casa etc. É nesse sentido, esse sistema em que vivemos, essa indiferença com a violência, que tornam “A Ultima Cartada”, um filme bom bom.

Primeiramente tenho que dizer, que ele é um filme bem trabalhado, com um câmera fluida, que sempre mostra tudo sem nunca apelar para montagens excessivamente rápidas. Todos os atores, sem exceção (e nisso incluo Ben Affleck), estão vivendo pessoas, não personagens, todos eles sabem o que querem, sabem o que fazer, sabem se expressar da sua maneira, e a maneira que um fala do outro é tão real que às vezes eles chegam a errar sobre como a outra pessoa age (o que é muito natural, já que a maioria não se conhece). Considerando que o elenco só não é maior que o numero de extras por pouco, é difícil imaginar como não perder o rumo e focar demais em um personagem ou deixar todos de lado, e nisso o filme não se perde, sempre sabemos quem é quem, não temos tempo de decorar nomes, por isso as pessoas são referenciadas poucas vezes, e nessas poucas vezes um flash de imagem aparece na tela para evitar confusão.

A história não é das melhores. A vontade do diretor/roteirista Joe Carnahan em construir um desfecho surpreendente fez com que no final a trama se tornasse mais fraco do que o resto da projeção. Mas mesmo assim, a história do filme é mais do que o suficiente para prender sua atenção. Ela é simples e vai direto ao assunto: inúmeros assassinos (Nestor Carbonell, Alicia Keys, Ben Affleck, Chris Pine etc.) querem matar uma testemunha (Buddy Aces - Jeremy Piven) que se escondeu em uma cobertura de um hotel enquanto o FBI quer esse cara como testemunha e não pode deixar ele morrer. A trama não sai muito disso. Ao invés de fazer como Guy Ritchie fazia e focar nas situações que os personagens geram, o diretor resolve mudar o esquema e trabalhar com as situações que mudam os personagens

Entendendo isso sobre o filme que eu volto a falar da violência. Não se engane, esse filme é extremamente violento, com muito sangue, tiros e mortes (afinal é um filme sobre assassinos profissionais); mas a diferença principal nesse filme é como cada personagem lida com as mortes, com o fato de ter que matar ou quem vai ser morto. Em um certo momento do filme, um dos assassinos mata um segurança do hotel, ele enfia uma espécie de lança no peito do segurança e explica que a morte dele vai ser rápida e indolor, ainda no final, com muita compaixão ele pede para que o segurança feche os olhos, afinal ele não iria querer ser a ultima imagem que o segurança ia ver. Ele ainda termina dizendo: “Essa imagem poderia até te barrar no céu”. Consciente de sua vida e do que ele faz, e o personagem nesse momento passa uma imagem de calma mas ao mesmo tempo de pena por ter que matar aquela pessoa.

Toda gota de sangue que cai tem uma repercussão, seja no filme ou no mundo, e o filme parece compreender isso de uma forma diferente do cinema atual, tanto que depois da reviravolta no final do filme, aquela que eu disse que enfraquece a trama, um dos personagens se dá conta de tudo o que ocorreu, de todo o sangue derramado, e toma uma decisão heróica, drástica e trágica, mas uma decisão honesta, condizente com seu personagem, mostrando mais uma vez que a força

de uma história está em quem conta e de sobre quem ela é.

By Pato

Ps: O nome em inglês do filme (Smokin’ Aces) é um trocadilho, significa na tradução normal “ases fumegantes” o que pode tanto remeter as cartas do baralho (que o Aces do filme usa o tempo todo), como pode significar os assassinos de elite (que são os “Aces”, ou seja os melhores). Só que esse título quer dizer também “Matando o Aces” já que Smoke é gíria bandida pra matar.

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O Labirinto do Fauno - Guillermo Del Toro

2006-12-27T12:58:00.004-02:00

Eu poderia falar sobre a mitologia e a lenda do Fauno ou sobre a história espanhola e a Guerra Civil que atingiu o país. Poderia falar também da vontade humana de deixar para trás tudo que nos desagrada para ter uma vida melhor em qualquer outro lugar, mas vou deixar tudo isso de lado por que falar disso seria uma desonra ao filme e ao seu diretor. O Labirinto do Fauno é maior que tudo isso, é uma ode à imaginação e a tudo aquilo que pode nos salvar de sermos apenas seres insignificantes diante do maravilhoso mundo que nos cerca. Ele é a união de tudo que eu disse no começo e faz isso somente compondo seus personagens.

Guillermo Del Toro consegue a proeza de contar uma história simplesmente criando seus personagens. Todos eles representam o poder dos sonhos e da imaginação apenas interagindo com a realidade de uma forma ou de outra. Começaremos com Ofélia (Ivana Baquero), a menina criada na cidade que acompanha a mãe para o campo, já que essa se casou com um capitão (Sergi López) que luta contra rebeldes na Espanha após a Guerra Civil. Ofélia adora contos de fadas, e os inventa e os conta de uma forma tão cativante que às vezes nos esquecemos que contos normalmente são metáforas para a realidade. Quando encontra uma criatura mágica pela primeira vez podemos perceber como é tamanha a imaginação da garota, que ela não será surpreendida por nada e enfrentará o que for necessário para conquistar o que quiser.

Sendo exatamente o oposto dela, o Capitão Vidal não apresenta nenhuma das qualidades de Ofélia, frio e calculista ele não acredita na imaginação, não acredita que um homem poderia viver de seus sonhos e por isso vive de destruir o dos outros, sendo que o único sonho que ele tem e o que mais o motiva é exatamente aquele que ele acredita exorcizar o fantasma de seu pai (mas que ele nunca admitiria pesar sobre ele). O Capitão tem uma força enorme sobre os outros personagens exatamente por isso, ninguém tem medo dele, e normalmente respondem às suas ordens de maneira ferina quando essas não são boas, mas apesar disso todos os personagens temem que seus sonhos sejam destruídos por aquele homem frio fazendo com que eles reajam a ele não com medo, mas sim com cautela.

Por fim temos os rebeldes, alguns infiltrados no posto do Capitão, outros escondidos de seu exército esse homens tem seus sonhos e sua imaginação como armas contra a opressão, logo tudo que eles fazem é questionável, inclusive a vontade de destruir o Capitão (no filme quando alguém menciona isso a um dos rebeldes o outro se questiona se matar o Capitão não iria apenas mudar o nome do inimigo). Isso mostra a fragilidade da relação daqueles que sonham e imaginam contra a força daqueles que de tão frios esmagam os sonhos daqueles à sua volta.

Isso por fim nos leva ao Fauno (Doug Jones), que é exatamente onde a imaginação reside. Ao longo do filme, toda vez que ele aparece ou leva a personagem principal ao mundo dos contos de fadas percebemos a força que esse mundo tem. Uma força tão grande que é capaz de acionar os sonhos de todos aqueles que se sentiam oprimidos, seja diretamente ou indiretamente. Se suas ações querem o bem ou o mal é dever descobrir ao longo da projeção, afinal, o Fauno é conhecido por seus truques, mas que sua força é cativante e poderosa isso é inegável, como se pode perceber pela cena do Capitão e sua repressão com a mandrágora - símbolo da imaginação e dos sonhos (contar mais seria um exagero e um spoiler) - que para os olhos atentos desencadeia a maioria dos eventos do filme. Sem contar que a sua forma na película, além de bela como em um conto de fadas, consegue assustar pela forma diferente que é concebida.
Admito agora que passei por todos os pontos que prometi não visitar no começo dessa resenha, mas tive um bom motivo: se eu disse antes que passar por aqueles três pontos ia parecer arrogância e que não pretendia abordar o filme dessa forma, não sabia que realmente ia aborda-los até perceber que os três já estavam no texto. Mas sobre uma coisa eu estava certo, falar somente sobre os três pontos sem enquadrá-los no filme seria uma desonra ao filme e ao diretor.
Ps: Quem merece as maiores honras é Doug Jones, que faz o Fauno e o Homem Pálido. Além de não falar uma palavra em espanhol diante de um elenco inteiro natural dessa língua, ainda tinha que saber suas falas na língua e as de Ivana Baquero para que pudesse interagir com a atriz e dizer as suas no tempo certo, tudo isso com um agravante: com a maquiagem do Fauno ele praticamente não ouvia nada. Todo esse caso por que Guillermo Del Toro o queria no elenco. Boa escolha.

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Adrenalina - Mark Neveldine e Brian Taylor

2006-12-13T09:19:00.002-02:00

Até certo tempo as histórias em quadrinhos só conheciam dois tipos de heróis; aqueles com super-poderes e alguma fraqueza facilmente explorável pelos vilões (super-homem), ou aqueles que não tinham poderes e apanhavam a história inteira antes de dar cabo nos bandidos (Batman). Foi então que na década de oitenta chegou uma história que mudou tudo. Ela se chamava Watchmen, foi concebida por um dos maiores escritores de quadrinhos e trazia em seu enredo heróis sem poderes e com poderes, mas que sofriam conflitos tão humanos quanto era possível, o que cativou os leitores de tal forma que a indústria teve um dos seus maiores choques. A partir daí todos começaram a copiar (tanto bem quanto mal) esse estilo de se compor esses contos e seus personagens, mas o estrago estava feito e os quadrinhos nunca mais conseguiram se recompor, mesmo quando o próprio Alan Moore escreveu a história de um herói cheio de poderes e indestrutível, todos perceberam que o dano era maior que o remediável.

Conto isso para explicar por que Adrenalina é um bom filme. Estamos em uma época que fizeram com os filmes o mesmo que fizeram com os quadrinhos, mas de uma maneira mais amadora. Hoje em dia não há um herói que não tem conflitos internos e ao longo de uma projeção, mesmo que seja um filme de ação ininterrupta sempre veremos nosso herói “passando por um momento de grande angustia pessoal” (aposto que essas palavras podem ser encontradas exatamente dessa forma em qualquer roteiro de ação).

Desde a década de oitenta (sempre ela) não vemos um filme como é esse Adrenalina, onde um personagem sem escrúpulos passa o filme inteiro, correndo lutando e matando sem nenhuma explicação, a não ser salvar a própria pele.

Agora vem o ponto da mudança, aquilo que se perdeu com o tempo, isso não acontece para mostrar como um personagem deve ser, não é para mostrar o sadismo do nosso anti-herói, pelo contrário, tudo que é feito no filme tem tanta pretensão de mostrar como o personagem é psicologicamente quanto um jogo de Tetris tem de lhe mostrar os desejos e anseios dos quadrados coloridos.
Isso que falta nos filmes de hoje: um personagem que vê alguém morrer e nem liga porque ele não está correndo o filme inteiro pra isso, e se ele for se importar teremos mais 1 hora de projeção, no mínimo. Ele não quer saber quem ferrou com ele e porque, ele quer se salvar e matar o único que ele sabe que tem culpa, e se ele pegar mais o cara que mandou o “bandido” atrás dele é apenas bônus.

Sabemos que vai ser assim, certo? Tem que ser assim, é um filme de ação, queremos isso. Se ele tem escrúpulos ou é um idiota completo é problema dele, contanto que eu veja pancadaria comendo solta, mulheres bonitas (afinal esse é um filme pra homens) e uma boa dose de honestidade , já que sabemos que filmes assim não são para ser levados a sério, e o final da projeção entrega isso de bandeja. Vá ver esse filme, ria com o ridículo que ele passa e com a cara-de-pau do “mocinho”. Depois saía do cinema com o coração cheio de Adrenalina, pois assim você saberá que o filme foi bom, afinal estávamos correndo com o cara dentro daquela sala, mesmo não concordando com o que ele fazia.

Logo, saiba que filmes assim são como Alan Moore mostrando que dá para se criar um herói perfeito num mundo que acha que o melhor é um herói que tem sentimentos, é um sopro de ar fresco, mas que pode se perder no meio de tanta “tendência”. Mas não vá acreditando que você irá encontrar algo com a profundidade e a sutileza de Alan Moore, isso ia ser pedir demais.

(Em tempo, a trama é tão simples que se torna óbvio tudo que ocorre no filme e de tão acostumados que estamos com o jeito de se fazer cinema que pode ser que se pergunte no meio da projeção: “Por que não ir atrás de tal pessoa ou tal coisa?” Acredite é melhor do jeito que o filme é. Além disso, não irei explicar a trama, pois ela só está ali para dar a partida no filme e se torna inútil em 3 minutos ou menos).

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V de Vingança - James McTeigue

2006-10-17T08:40:00.002-03:00

O fã de quadrinhos é uma criatura esquálida, cheia de ódio no coração, explosiva e acima de tudo, incompreendida por Hollywood. Eu sei, eu sou um (não um dos maiores, mas um desses que compõe a massa dos fãs de quadrinhos), e exatamente por ser um deles entendo todo o ódio que foi acumulando com filmes como, Elektra, Batman & Robin, Batman Forever, A Liga Extraordinária etc. Por isso quando anunciaram V de Vingança fiquei com o pé atrás, quando anunciaram que ia ser produzido pelos irmãos Wachowsky (Matrix Reloaded e Revolutions – Por que se fosse só pelo primeiro Matrix beleza, mas eles tinham que ferrar com tudo) fiquei com os dois pés atrás e quando anunciaram que Alan Moore achou esse filme a gota d’água e não ia endossar mais nenhum filme baseado nas obras dele (ia ser a terra do faça o que quiser com as obras de Alan Moore em Hollywood) eu me virei e sai correndo desse filme. Mas no instante que, por curiosidade, eu assisti o trailer de V eu voltei correndo e me ajoelhei pedindo perdão, e sabe o que é melhor, o filme cumpre o que o trailer promete, senão mais. Mas como nem tudo são flores (e para não dizer que não falei delas) V de Vingança é um filme ame ou odeie, mas essa reação não é tão evidente no espectador comum como é evidente nos fãs de quadrinhos.

Vou começar contando a história para aqueles que ainda não tiveram o prazer de ver esse filme. Evey (Natalie Portman) é uma garota que vive num futuro alternativo ao nosso, onde a Inglaterra sucumbiu a um regime fascista e hoje é dominada por um partido que priva a população de todos os seus direitos (não é isso que os fascistas fazem?). Depois de um desentendimento com a polícia desse regime ela é salva por V (Hugo Weaving), um justiceiro mascarado que mostra total desapreciação pelo regime e a força para acabar com ele, e ele demonstra isso em questão de minutos ao explodir um marco britânico. Exatamente nesse ponto o filme muda dos quadrinhos. Nos quadrinhos V está em uma cruzada pela liberdade do país, ele caminha nessa direção sempre provocando o regime com ações terroristas e pequenas vinganças pessoais. No filme não. No filme as estratégias são mais evidentes e V as mostra de maneira mais contundente. V, por exemplo, um dia após a explosão do marco britânico, entra em uma emissora de TV e diz que voltará dentro de um ano para explodir outro monumento, nesse caso, o Parlamento. É exatamente ai que o segundo V, o do filme, se distancia totalmente do da revista, um é um estrategista que guarda seus movimentos somente para si, nem Evey os conhece em totalidade, o segundo mostra exatamente qual será seu ultimo movimento, colocando nas mãos de seus algozes a função de descobrir como ele pretende chegar lá.
Por isso, o V no filme é muito mais instigante, nem nós nem ninguém sabe seus passos, nós o seguimos no escuro e permitimos que nos mostre a luz, o que é uma decisão muito inteligente do diretor, já que nos quadrinhos éramos espectadores enquanto ele explicava a Evey como sua mente funcionava, e nós apenas podíamos nos contentar em conhece-lo. Agora, podemos nos sentir como um de seus pupilos, aprendendo, como a Evey, a derrotar aquele sistema corrompido.
A Evey do filme também muda drasticamente do livro. No livro ela começa como uma garota inocente que vivendo sob as forças do totalitarismo de seu país tem medo de tudo e de todos e termina como uma nova esperança para reconstruir a Britânia. No filme, ela começa mais forte, e chega a fugir de V em um certo momento; mas mesmo assim ela tem muito à aprender sobre a sua força, e apesar de terminar muito mais forte e consciente ela não é como a Evey do livro e não ira reconstruir a Britânia, mas ela vê o mundo com outros olhos e essa visão pode se tornar o diferencial para o fim daquela forma de governo.
Tudo isso é para explicar que, é exatamente por esse motivos que V de Vingança é difamado pelos fãs de quadrinhos, ele queriam um filme igual ao livro, e não uma história vagamente baseada nos originais. Eu admito que A Liga Extraordinária criou uma histórica ridícula que não tinha nada a ver com o livro, e com isso ferrou tudo, mas no caso de V a história criada se encaixa tão bem com o cenário que vivemos que não podemos deixar de admira-la e entende-la como uma outra versão da história que gostamos. Uma versão que pode sim ser, tão boa quanto a original.
Isso mesmo, tão boa quanto a original, quem realmente não consegue ouvir a voz de Hugo Weaving como V e dizer “Poxa! Era assim mesmo que V deveria soar”. Quem tem coragem de dizer que além das referencias culturais de V (que, por sinal, são muitas vezes outras que não as do livro) ainda temos frases cativantes que desejamos do fundo do nosso âmago poder ter um dia a oportunidade de dizê-las dentro de um bom contexto, como, por exemplo, quando Evey pergunta quem ele é e ele diz ser paradoxal perguntar a um homem em uma mascara “quem ele é?”. Isso sem contar as milhões de cenas que, numa pratica constante da direção, são meros detalhes dentro de toda a trama, mas que quando revistos nos mostram momentos tão cativantes que sem se tornarem piegas ou ridículos nos tocam de uma forma contundente.
Agora com tantos pontos a favor, por que alguém (leia-se fãs de quadrinhos) não gostaria dessa obra? Bom, desconsiderando que nada nunca vai agradar a todos e existem pessoas que não gostam do estilo que esse filme possui, você tem que ver pelo lado de um fã. Ele ama a obra, e a conhece muito antes das massas terem o primeiro contato com ela, ele já discutiu a revista com quem ele podia e não podia e ainda fez questão de provar seus pontos de vista, o autor da obra diz que nunca mais endossa nenhum filme baseado nas suas obras e fala mal da produção do filme, mas não deve ser levado em consideração, pois apesar de estar certo sobre suas outras histórias que viraram filme, ele procurou qualquer motivo para reclamar desse e o único que eu fiquei sabendo foi sobre o nome da empresa de encomendas do filme, sendo que ele não se pronunciou mais depois do lançamento (que eu saiba), ou seja, se o filme é feito exatamente como a revista, ótimo ele ganhou uma maneira de comparar cena a cena o que ele conhece, mas se a história muda ele prefere xingar Deus e o mundo a reconhecer que uma história diferente pode ser boa, juntamente a obra original.

Mas quer saber? Assista o filme e leia os quadrinhos, forme sua opinião, diga qual é mais engenhoso ou mais divertido. Mas já vou avisando, a revista não tem a música dos Rolling Stones no final, a não ser que você ligue o som. E sejamos francos, fãs do filme ou não, é ou não é a melhor entrada de música no final de um filme?

By Pato

Ps: Vinicius, depois que você ler essa vai rolar o maior bate boca ai no seu trampo e quando a gente se encontrar. Isso vai ser muito engraçado. Só não falei do beijo que te deixou puto no filme e sobre os pais por que ia ser Spoiler demais.

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À Beira da Loucura - John Carpenter

2006-09-25T19:48:00.003-03:00

Se ainda possui um VHS, você tem sorte. Os grandes filmes que ninguém viu estão nesse formato e qualquer um pode entrar em uma locadora bem antiga, ou uma mais recente que esteja se livrando de suas fitas de vídeo, e comprar grandes filmes a preço de banana. Isso é, até que esse filmes sejam trazidos para o DVD. Portanto se você for sair comprando filmes em VHS e for fã de grandes filmes de terror, compre primeiro "À Beira da Loucura", de John Carpenter.

Esse filme deve estar esquecido na prateleira da sua locadora favorita (supondo que ela possua VHS – a minha tem), e além de esquecido deve ter sido retirado no máximo uma dúzia de vezes. Normal, isso acontece muito com filmes de terror lançados na época pré-Pânico, aquele período na história onde, depois de Jason foi pra Nova York, as pessoas desistiram de gastar dinheiro com filmes de terror (até bem antes disso se pararmos para pensar).

Mas comparar esse filme com Pânico é injusto por dois motivos: o primeiro é que esse filme não tem o mesmo estilo de Pânico em nenhum aspécto, já que os poucos sustos que ele possui não são forçados, o vilão não é desconhecido e nem faz esforço para se esconder, e toda a narrativa é feita para criar um clima de desespero, nunca para assustar. O segundo motivo pelo qual não é possível uma comparação é que esse filme é infinitamente melhor que Pânico exatamente pelos motivos citados acima e, além disso, ele funciona.

A história pode parecer complicada do começo ao fim do filme, mas não se subestime: o filme não se esforça de nenhuma maneira para digerir o que está acontecendo ao mesmo tempo que não espalha pistas falsas para confundir demais o espectador. Isso o torna um desafio instigante e o constante uso da metalinguagem permite que a cada nova descoberta percebamos que estamos presenciando uma estrutura difícil de ser vista. Tanto hoje como a muito tempo atrás, filmes como esse não são feitos pelo simples fato de que poucas pessoas são loucas o suficiente para pensar em um roteiro tão insano quanto esse. Talvez por isso seja interessante notar que a estrutura do filme é muito bem elaborada, pois seria fácil para o diretor (que também é o roteirista, o que ajuda muito) se perder em tantos exercícios de linguagem.

A história começa quando um investigador de seguros chamado John Trent (Sam Neill) resolve achar um autor desaparecido chamado Sutter Cane. Esse autor estava escrevendo uma obra sobre a cidade de Hobb’s End e desapareceu nessa própria cidade. Como a obra que ele estava escrevendo estava segurada, a companhia manda John atrás dessa cidade (que não existe em nenhum mapa), do autor (que está incomunicável a semanas) e da obra (que tornou louca a única pessoa que a leu). Com isso John vai atrás de Sutter e descobre por que suas obras têm uma influência tão grande nas pessoas que as lêem.

Nesse espírito de loucura o filme consegue de uma maneira excepcional misturar realidade com fantasia de uma maneira única. Sabe aquela história de sonho dentro do sonho dentro do sonho? Nesse filme o número de vezes que isso acontece é absurda, mas nunca a ponto de fazer o espectador se confundir ou de soar irritante. Quase todas as vezes que isso acontece o espectador é pego de surpresa, já que nunca imagina o que realmente está acontecendo, e as vezes que o espectador sabe que o personagem está em um sonho tem um efeito ainda pior, o espectador fica aterrorizado pelo fato de que como o pesadelo anuncia a realidade.

Nesse clima de desespero e surpresas (não necessariamente sustos) o filme vai se tornando tenso, deixando para os 20 minutos finais uma força tão grande que é capaz de faze-lo sufocar de antecipação. Por isso, quando o filme acaba, percebemos que nada, desde o começo, parecia o que era, o que faz com que o filme peça uma segunda visita. Ainda bem que você está no conforto do lar, e a fita é alugada, permitindo que você reveja o filme várias vezes, por que se fosse no cinema e demorassem demais para acender as luzes, muitas pessoas seriam capazes de adquirir a loucura do filme, e rirem histéricas no final.

By Pato

Ps: Como aqui no Brasil o pessoal tem uma mania idiota de dar o mesmo título para vários filmes não se engane, o À Beira da Loucura que eu recomendo é esse, com o Sam Neill e dirigido pelo John Carpenter, qualquer outro com o mesmo título eu nunca vi e não posso recomendar.

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Premonição 3 - James Wong

2006-09-24T18:02:00.004-03:00

Esse Post foi republicado do dia 14/09 por defeitos na sua publicação original. O texto desse post não foi mudado em função disso

A coisa mais engraçada sobre as continuações é que os produtores não se deixam levar por pequenos contratempos, como o fato dos atores diretores e roteiristas do filme original resolverem não participar de seqüências, isso ocorre principalmente em filmes de terror onde a maioria dos personagens, senão todos, morrem e, portanto, fica impossível trazer o ator novamente (salvo casos de zumbis, fantasmas e, o mais assustador caso de todos, pré-continuações).

Sendo assim uma coisa que beneficiou muito Premonição 3 foi o fato do Diretor/Roteirista do primeiro filme, James Wong, estar de volta no terceiro.

Isso realmente ajuda a criar um clima melhor na história, já que, responsável pelo primeiro filme, James Wong tem total idéia do que a morte faz e como ela age. Isso traz para o filme um apelo melhor do que o segundo, mas não tão forte como o primeiro.

O que realmente distancia esse filme do primeiro não são os atores, já que eles na época não eram o melhor exemplo de atuação (não que esses do terceiro filme sejam, os momentos em que a mocinha conversa com a irmã são canastrice total), o que realmente prejudica o filme é a falta de um motivo melhor para unir os personagens, eles não são realmente amigos ou conhecidos como no primeiro filme, eles não se unem como no segundo, na verdade eles são apenas pessoas que calharam de estudarem juntos e estarem no mesmo lugar no mesmo instante. Por exemplo, em um certo momento um dos personagens até diz ao outro “O que você está fazendo aqui? Você nem é do nosso ano.”, e a resposta é simplesmente que ele está ali por que queriam que ele estivesse, não importa se ele não é do mesmo ano, o que importa é que todos vão estar juntos no mesmo acidente, na montanha-russa. Por falar na montanha-russa, um dos meus maiores problemas antes de ver o filme era o fato de Premonição, se passar em um brinquedo que, acreditava eu, não traria grandes seqüências. Ledo engano. A seqüência da Montanha-russa é brilhante e vai acabando com os personagens de diferentes formas, sejam elas trágicas, sejam elas tristes (como quando um personagem assiste uma pessoa que gosta morrendo e podemos perceber que ele tentou ajudar sem sucesso) ou sejam elas gráficas e viscerais. Diga-se de passagem a série Premonição consegue sempre trazer nessas seqüências das mortes que não ocorrerão sempre ótimas idéias e efeitos.

Obviamente o filme possui alguns defeitos, como o fato da montanha-russa ainda quebrar, mesmo que na visão da mocinha o acidente tenha sido causado por um personagem que saiu do brinquedo com ela; o fato da morte não ser tão marcante em algumas cenas (afinal o que o primeiro e o segundo filme faziam com maestria era mostrar que, mesmo não podendo ser vista, a morte estava lá criando uma armadilha para cada personagem enquanto nesse filme alguma vezes cheguei a me perguntar se a morte estava realmente por trás de tudo); e um pouco de nudez gratuita que pode fazer uns rapazes felizes mas certamente vai desagradar as namoradas.

Mas o filme sabe se desenrolar muito bem, já que as mortes seguem a seqüência que deveriam ter acontecido no acidente, e já que os personagens vão descobrindo aos poucos essa seqüência (o que acaba por não criar aquela coisa de grupo que havia nos outros filmes, como eu já disse) isso acaba por dar uma dose a mais de realidade no filme, já que, como eles não estão unidos, cabe ao mocinho e à mocinha avisar aos outros, e sendo assim os próximos na lista sempre enxergam os avisos como loucura, e as vezes até com muito sarcasmo. Outro fator nas mortes que enriquece o filme é que tirando uma ou outra visão a mocinha não tem dons premonitivos, na verdade ela descobre que as mortes ocorrerão de uma maneira criativa, mas angustiante, já que esse tipo de premonição (que não vou dizer quela é pra guardar a surpresa) possui muitas interpretações, e o filme sabe tirar proveito disso, rendendo grandes sequências, a melhor sendo a do caminhão, na minha opinião.

As seqüências das mortes, apesar de serem mais viscerais e bem menos elaboradas que nos primeiros filmes (com algumas exceções), possuem um toque extra que me agradou muito, o fato de que muitas das vezes as próprias pessoas causam as suas mortes. Isso foi muito bem explorado, pequenas ações de descaso e de descuido que em uma seqüência maior matavam os personagens. Isso sem contar que o filme continua com aquele humor mórbido que só realmente a morte pode apresentar, muitas vezes você se pega pensando no filme “Certeza, agora ele vai morrer por asfixia. Ah! Droga! Foi um acidente de ônibus” e isso se torna ao mesmo tempo surpreendente e gratificante.

Por fim esse realmente se mostrou um bom filme de terror, que deixa você mais apreensivo do que lhe causa sustos, e me pareceu bem filmado (apesar de ser meu olhar péssimo com os aspectos técnicos) apresentando uma fotografia que ao mesmo tempo que era forte e violenta se mostrava quente e viva, ao contrario do que um filme desses tenta passar.

Mesmo assim o final pode desagradar muita gente, mas me agradou muito pois resumiu tudo o que o filme passou em alguns minutos, se você não se importar de ser deixado no literalmente no escuro acredito que também irá gostar (preste atenção em 2 segundos de barulho quando a tela apaga).

By Pato

Ps: Se você prestar atenção nos créditos iniciais do filme são apresentados cartazes de aberrações de circos tipicamente americanos. Esses cartazes são bem premonitivos também.

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Xeque-Mate - Paul McGuigan

2006-09-16T21:56:00.003-03:00

Um dos motivos principais para a existência desse site não é a crítica em si. Não falamos de qualquer filme por falar do filme, nós temos que seguir uma lógica, senão não faz sentido um site que fala de filmes novos e antigos da mesma maneira e nem sequer explica o critério de seleção. Bom, eu acredito que nosso critério seja nosso gosto pessoal, mas isso é de um egocentrismo assustador, então por isso temos um outro critério, o filme tem que se encaixar nessas três categorias: Os melhores filmes que ninguém viu; filmes injustamente massacrados e filmes que dividem as pessoas entre gosto e não gosto, sem a opção de um mais ou menos no meio. Dentre esses três Xeque Mate cai no primeiro e no ultimo quesito.

Ele é (sinto muito, nesse momento que ele acabou de estrear ele vai ser, se você for ler ele daqui uns meses pode ver se eu acertei ou não) um dos melhores filmes que ninguém viu (ou vai ver) exatamente por que ele foge de tudo que se vê nos filmes, e ele vai dividir as pessoas entre as que gostam e não gostam pela narrativa que não se preocupa em tomar o tempo necessário para explicar bem a história, sendo que apesar disso o espectador nunca se sente como se tivessem o confundindo com uma pessoa ignorante. É só que a história só é explicada nessas pausas, que servem para encaixar as peças desse maravilhoso quebra cabeça que nos é colocado.
Exatamente o fato de ter que explicar a história a todo o momento que faz esse filme diferente. O espectador, acostumado com a explicação durante toda a projeção no começo se sente confuso com a narrativa, e quando estamos para chegar ao limite do desconforto aparece um personagem e nos explica um pouco da história. História essa por sinal, que deve ser lida o mínimo possível antes do filme. É verdade, o quanto menos você souber melhor para você. Isso por que, novamente ao contrário dos clichês padrão no cinema, todo e qualquer espectador na sala sabe qual é o final da história, o que é interessante notar é que ninguém faz idéia do caminho que vai ser percorrido, o que transforma o filme em um emaranhado de surpresas que nem de longe chegam a envolver traições elaboradas e pistas plantadas para nos tirar do rumo certo.

O mínimo que se deve saber é, Slevin (Josh Hartnett) foi visitar um amigo procurado por um chefão do crime chamado o Chefe (Morgan Freeman) e acabou sendo levado no lugar do amigo, já que esse não se encontrava em casa. O Chefe tem um inimigo, o Rabino (Ben Kingsley) que também confunde Slevin com Nick, o seu amigo que não estava em casa. Enquanto isso um detetive da polícia (Stanley Tucci) tenta descobrir quem que o Slevin é, já que ele se encontra com os maiores criminosos da cidade, ao mesmo tempo em que chega um Assassino de Aluguel (Bruce Willis) conhecido por ser um dos melhores do ramo. Entre todas essas figuras, Slevin conhece Lindsey (Lucy Liu) a vizinha da frente de Nick e a garota da história. Dentre banhos de sangue esporádicos (como, por exemplo, nos 10 primeiros minutos do filme) existe uma grande história que todo o elenco soube criar com maestria, sem exceções nas maravilhosas interpretações, principalmente da Lucy Liu.

Essa história pode não parecer muito, mas é o suficiente para te manter interessado. Isso é, até as explicações começarem. E não se preocupe com o fato de que você pode ver o que vai acontecer horas antes de realmente acontecer, isso parecer estar bem dentro do que o diretor queria, a única diferença é que quando você chegar no que tinha previsto o caminho percorrido já fez a parte dele, e você vai sair impressionado.

By Pato

Ps: Os títulos em inglês e em português são completamente diferentes, mas mesmo assim servem para criar mais um momento de descoberta durante o filme, o título em inglês parece que apenas um trocadilho, mas é mais do que isso e o em português funciona praticamente da mesma maneira, mas no caso prova que o título é mais do que uma referencia visual. Outra coisa é o aparecimento de Danny Aiello em uma grande produção, eu sou fã desse ator e adoro todas as suas atuações, é um pequeno papel, mas não dá pra deixar de notar a maestria com o qual ele faz um bandido que não quer ver as pessoas se ferrando.

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Moulin Rouge - Baz Luhrmann

2006-09-14T23:14:00.005-03:00

Verdade, Beleza, Liberdade e, acima de todas as coisas, Amor. Esses são os elementos que o australiano Baz Luhrmann usa para construir sua história.

Na França do século XIX o jovem Christian (Ewan McGregor) desembarca em busca dos ideais boêmios citados acima, tentando a carreira de escritor. Ao entrar em contato com um glamuroso submundo, o famoso bordel Moulin Rouge, ele acaba por se apaixonar pela mais bela cortezã: Satine (Nicole Kidman), o diamante cintilante. Seu amor tem como obstáculo o possessivo Duque, patrocinador da casa e mais valioso pretendente de Satine.

Apesar do enredo simples e frágil, o diretor usa de todo o seu talento para fazer com que Moulin Rouge tenha a sua marca. As cores fortes, os movimentos rápidos de Câmera, o som marcante e os cortes secos, característicos de Luhrmann, manipulam nossas emoções e nos arrastam para a atmosféra do filme, muitas vezes nos dando a sensação de que o céu e o inferno podem ser muito parecidos com aquilo que estamos assistindo.

Mas são os personagens secundários que deixam Moulin Rouge tão colorido. Um elenco excepcionalmente talentoso, com John Leguizamo como o lider boêmio Toulouse-Lautrec, Jim Broadbent incrivelmente marcante como Harold Zidler, Richard Roxbourgh como o odioso Duque e outros rendem ao filme as cenas mais interessantes. Até um argentino que sofre de narcolepsia podemos encontrar! A carga dramática de que o filme exige recebe resposta a altura de todo o elenco. Ninguém fica apagado, todos são tão energéticos e alucinantes quanto o ritmo da vida de seus personagens.

É impossivel citar a beleza da fotografia e ótima escolha de elenco de Luhrmann sem enaltecer ainda mais sua grande sacada: a trilha sonora. Sim, o australiano ousou ainda mais e Moulin Rouge é um musical. Com apenas uma canção inédita, a trilha de do filme é contemporânea e os números musicais são mais que perfeitos. Nos temos Elton John, Beatles, Witney Houston, U2, David Bowe, Nirvana e muita coisa que vai te fazer cantar junto em algumas cenas. As músicas são reinventadas dentro do filme como no meu número favorito: o Tango de Roxanne (agora você entendeu por que raios alguém colocaria um argentino narcolepso no filme). A canção antes entoada por Sting ganha novos instrumentos e fica deliciosamente interessante. Um detalhe: todos os atores cantam. E muito bem. Não estamos falando de cantar como em “Todos dizem eu te amo”. Estamos falando de atingir notas dificeis e fazer o seu queixo despencar levemente ao ouvir Ewan lamentando “come what may” pela última vez.

O estilo teatral de Mouling Rouge pode não agradar a todos. Muitos acharão enfadonho ver um monte de adultos cantando e dançando, ou ainda achar a história boba e previsível. Mas para aqueles que estão em busca de Verdade, Beleza, Liberdade e, acima de todas as coisas, Amor, regados e muita música, o filme é deleite.

No final, quandos as cortinas do Moulin Rouge se fecham, eu tenho vontade de aplaudir de pé e pedir bis. Felizmente, tudo que preciso fazer é apertar o play do DVD. Mas cuidado: Moulin Rouge vicia.

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Três é demais - Wes Anderson

2006-09-12T16:40:00.004-03:00

Existem filmes que são lançados todos os anos e alcançam a alcunha de ame-os ou deixe-os. Moulin Rouge foi assim, Sin City foi assim, Kill Bill foi assim e qualquer filme de Wes Anderson é assim.

Nada contra ele, na verdade eu sou um dos que ama os filmes dele, mas tenho que obrigatoriamente assiti-los sozinho pois poucas pessoas que conheço gostariam de assistir comigo.

Estranhamente ou não, um dos primeiros filmes dele, Três é demais, é uma pequena exceção a regra. A maioria das pessoas não irão amar o filme, mas vão se sentir bem contentes com a história e podem muito facilmente desejar ser o protagonista. Não que ninguém irá odiá-lo, mas nesse caso ainda existe um meio termo.

O protagonista, Max Fisher (Jason Schwartzman), é um dos maiores exemplos de como deveriam ser os protagonistas de todas a comédias colegiais (mesmo as de John Hughes). Ele não é o sujeito mais adorado da escola, mas também não é o mais ignorado. Ele consegue fazer parte de todos os cursos e clubes extra-curriculares (coisa de escola americana), isso se ele não funda o clube ele mesmo. Isso faz dele um misto de nerd com o gostosão popular com amigos e inimigos, só que com a principal diferença de que quem odeia ele tem um motivo justo e inteligente para isso e não apenas uma necessidade do roteiro de criar inimigos para Max.

Max vive cercado de pessoas que o idolatram, e você percebe que a personalidade forte e magnética que ele tem justifica as pessoas a sua volta, e você consegue perceber que aquelas pessoas fariam tudo por ele, já que ele sabe comandar e sabe também cuidar de quem o ajuda.

Isso o leva a conhecer Herman (Bill Murray, num dos melhores personagens do filme). Herman é um homem casado, mais velho, rico e um dos maiores filantropos da escola, tem dois filhos que estudam junto com Max e são completos idiotas, ainda assim ele se mostra um dos sujeitos mais inteligentes que Max conhece, e isso traz à tona a depressão de Herman, já que vendo Max ele percebe quanto sua vida e família são fúteis.

Isso tudo acontece nos primeiros 15 minutos do filme, de uma forma tão rápida e econômica que leva tempo para perceber o quanto isso vai afetar a vida deles. Somente quando eles encontram e se apaixonam pela mesma mulher (Olivia Williams) que tudo começa engrenar e tomar a forma que nos leva a um final completamente diferente do esperado (mais ou menos).

O mais importante sobre o filme é o fato de que a realidade se mostra um pouco mais distorcida do que o normal, o que incomoda as pessoas. Só que na verdade esse filme se torna mais realista do que muitos filmes em Hollywood que as pessoas assistem e nem se importam (Pearl Habor é o maior e pior exemplo). Tudo no filme é exagerado, desde as coisas que Max faz na escola, até as reações das pessoas, mas tudo isso mostra como a vida realmente é, uma traição, por exemplo, tem suas conseqüências, mas isso não impede de trazer um final feliz, e a pessoa que trai não necessariamente não é o vilão da história.

By Pato

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Da onde viemos? Pra onde vamos? A viagem é longa? Tem banheiro no caminho?

2006-09-11T15:16:00.000-03:00

Em um país longiquo da ex União Sovietica existia um animal criado em cativeiro que recebia diariamente doses cavalares de ironia e humor britanico, isso obviamente não fez bem para ele, então numa certa noite apareceu um agente secreto, um espião britanico que queria acabar com o dono do lugar por causa de uma divida de roba monte. O pato virou pra ele e disse: "Oh, moço, me tira daqui vai?" O espião respondeu: "O que eu ganho com isso?" O pato olhou profundamente nos olhos dele e disse: "Nada." Quando o espião virou as costas rindo o pato completou: "Sem contar, é claro, que eu vou soar o alarme em 5 segundos se não for com você.", "Como?" perguntou James, e o pato respondeu "Desse jeito aqui." e demonstrou a maneira que ele iria fazer o alarme soar (se eu soubesse como, pode ter certeza que já estaria escrito a muito tempo nesse texto). Obviamente ele foi libertado, mas o espião que não era burro ia aproveitar pra fazer um pato no tucupi pra viagem que ia ser longa. Poucos sabem disso, mas patos tem 6º sentido (eles vêem mortos, ETs em campos de milho e essas porcarias) por isso o pato presentiu e o perigo e aproveitando que estava fora da jaula ele fugiu das mãos do seu novo captor. Só pra sacanear ele ainda saiu cantando Free Bird do Lynard Skynard e zarpou, de lá ele passou uma temporada (e algumas continuações) em um time de Hockey que trabalhava pra Disney.

Depois ele namorou uma atriz Hollywoodiana em um lugar chamado Silent Hill. Por fim ele estava em um avião onde tocava John Denver e tinha um garoto que saia correndo dizendo que tinha tido uma premonição de que o avião ia cair quando, logo depois da decolagem, o avião partiu no meio (sim, o garoto estava certo, mas nunca mais ouviram falar dele) e caiu numa ilha deserta que tinha entre outras coisas, uma escotilha, um monstro de fumaça, um cara gordo mas comédia e uma lagoa azul. Ele ficou na lagoa azul junto com uma garota que foi criada e cresceu junto com ele.

A história dessa garota foi mais especial e diferente ela foi criada pelo John Travolta e tinha um irmão que tinha a voz do Bruce Willys mesmo sem saber falar. Depois de crescida ela conheceu um garoto de óculos que foi o amor de infancia dela e quando os dois se encontravam sempre se ouvia vindo de lugar nenhum aquela musica “My Girl”. Um dia o garoto disse que ia comprar cigarros e atiçar abelhas. Ele nunca mais voltou. Mudou-se para Londres e lá conheceu um cigano que falava enrolado mas era a cara do Brad Pitt, ele deu um cano nela (bem na cabeça, por isso hoje ela é assim) e fugiu com um criador de porcos. A decepção foi tão grande que ela arranjou uma passagem no primeiro navio que saiu da Inglaterra. O nome desse navio era Queen Mary, mas ela achou a maior sacanagem, por que a verdadeira Queen Mary era muito maior que aquilo. Chegando na america ela se filiou a um clube onde tinha varias regras e o pessoal batia um no outro, esse clube era conhecido como Reality Show. Quando entrou na faculdade descobriu que tinha dez coisas que ela odiava em você (isso, você mesmo, ela é meio paranormal e tem uma máquina gigante que ela consegue achar e ler os pensamentos de todos os humanos no planeta) por isso saiu da faculdade. Foi chamada para um interrogatório da sessão X do FBI, mas foi deixada de lado pq ela era tão independente do governo que nem votava. Dali ela pegou um banana boat pra jamaica mas afundou no meio do caminho e foi parar na ilha já dita anteriormente.

Quando os dois foram resgatados, os dois se odiavam tanto (e odiavam a vida) que resolveram liberar esse stress todo criticando aquilo que todo mundo já critica abertamente CINEMA! (não cara, eu disse abertamente, por isso não pode ser politica).

Considerando essa história toda esperamos que vocês gostem do site. Ele é provisório mas é feito com carinho, por isso não iremos divulgar a página e se você chegou até aqui você é um desocupado.

Gratos

O Pato e Tricia "Trillian" McMillian